ЛикБез | |
|---|---|
Ренессанс и блохи Строго говоря, Ренессанс — это все еще средневековье, которое достаточно неравномерно распространялось по Европе и выходило так, что, пока в Италии уже вовсю шло Возрождение, в той же Англии были вполне себе Средние века. Это не могло не сказаться на костюме, который менялся несколько медленнее, чем распространялись новые идеи гуманизма. Итак. Одежда мужчины показывала его статус и род занятий, поэтому эта часть населения была, в принципе, главным двигателем изменений в костюме (а женская мода в какой-то момент начнет копировать мужскую). Ноги в мужчине все еще самое главное и красивое, поэтому шоссы не сдают позиций и старательно облегают важные части. На юге тепло, поэтому там необходимость в верхнем платье не так актуальна, и в связи с этим придумали этакий клапан, прикрывающий срам, чтобы соединить две отдельные половины шосс. Не забываем, стрейч-ткани в то время еще не изобрели, и высокий плотный чулок, до талии, в облипочку, соединить в «лосины» было, в целом, невозможно. Чтобы не было скучно, клапан, как и сами шоссы, могли быть цветными. Дублет шел до талии, шили его также максимально облегающим, потому что кроме красивых ног модно было быть стройным (в то же время, если мужчина или женщина были полными, все знали, что у них с деньгами все отлично). Появляются разрезы в рукавах, которые, поскольку тоже должны облегать, обретают разрезы, через которые красиво расправляли нижнюю рубашку. Без верхнего платья в основном ходили юноши и военные, остальные считали важным показать свой статус дополнительно, для непонятливых. Верхнее платье могло быть как и в виде своеобразного жилета, так и с рукавами — широкими и пышными.
А потом швейцарцы придумали наемную армию и стали в ней так хороши, что появился феномен ландскнехта, а ландскнехты, в свою очередь, стали главными законодателями моды в Европе и мужская мода больше никогда не была прежней. Ландскнехты, помимо модников, были воинами, и просекли тему, что в обычных шоссах сражаться ну как-то не очень удобно, особенно если ты не в латах с макушки до пят, а вот если сделать разрезы в стратегически важных местах, то двигаться уже как-то попроще. Гульфик, собственно, появился из тех же соображений — он позволял больше движения, сохранял добродетель (хотя были периоды, когда католическая церковь ставила это под сомнение), да и вообще, на него можно было прифигачить бант.
Впрочем, разрезы не сдадут своих позиций еще долго, и просто будут эволюционировать и плавно переходить из мужской в женскую моду. Это верно и для пышных рукавов, но это вообще один из самых живучих «трендов». С середины 16 века и до его конца в мир врываются первые «современные» штаны. И да, это те самые смешные шарики на ногах. Шутка в том, что они как раз и начали первыми называться разными словами для обозначения единого комплекта из двух штанин, хотя в елизаветинской Англии их в какой-то момент начали обзывать носками: аппа-сокс. Шоссы в это же время преображаются в чулки, их носят до середины бедра или подвязывают над коленом (англичане). Ноги все еще самый красивый атрибут мужчины, поэтому чулки обтягивают, а штаны максимально высоко и своей шириной служат контрастом тонкости ног. Дублеты приобретают клин, красиво указывающий на гульфик, эполеты преображаются в валики, к которым все так же крепятся «нижние» рукава. Они либо обтягивающие, либо очень пышные, и в обоих случаях их тяжело надеть сразу вместе с «телом», хотя и единые комплекты случались. Воротники и манжеты у мужчин были скорее дополнительной опцией, если хотелось подчеркнуть статус, но, в то же время, никто бы не упал в обморок, если бы монарх вышел ко двору без рафа. Верхнее платье все так же опционально, для пафоса: чтобы можно было щегольнуть дорогой подкладкой и меховой оторочкой. Впрочем, бедняки и средний класс тоже прибегали к «пальто», особенно в северных регионах. Статус статусом, а замерзнуть никому не хочется. На обуви впервые появляется каблук и долгое время являлся прерогативой мужчин. Женская обувь приобрела каблук с подачи Елизаветы, но он все равно периодически исчезал из женской моды. На самом деле, наиболее похожую на штаны вещь изобрели венецианцы, и они так и назывались: венецианские штаны. Они обычно застегивались на пуговицы с двух сторон, и были преимущественно довольно широкими, хотя некоторые модники, как, например, Френсис Дрейк, выбирали зауженные варианты. Уже в 17 веке эти штаны вытеснят шарообразные аппа-сокс, и положат начало современным брюкам. Сапоги, кстати, когда их носили (мужчины) тоже были в облипочку, и крепились за счет отворота или дополнительной подвязки. Скажем спасибо тому, что к концу 16 века портрет уже прочно укрепился как жанр в живописи, и можно найти достаточное количество примеров разнообразия штанов.
В общем, за 16 век в мужской моде успело произойти очень много всего. Самым важным, конечно, является рождение (возрождение) штанов, однако они, увы, до сих пор не в облипку. В то же время, в период с конца 15 и по конец 16 века костюм был максимально «разобранным» на составные, и с этим можно поиграться и менять элементы в буквальном смысле: сменить съемные рукава, надеть разноцветные шоссы, сделать разрезы, убрать их, контрастная ткань… ну вы поняли. Максимальный полет фантазии. Наряду с трусами и лифчиками, штаны в том виде, к которому мы сейчас привычны — относительно недавнее изобретение. А в эпоху до молнии и даже до пуговиц людям приходилось выкручиваться какими-то другими способами. Например, германские племена — главные популяризаторы штанов в античном мире, носили нечто среднее между шароварами и современными (относительно) нам портянками. То есть, это были довольно просторные две половины, перед и зад, максимально прямоугольные, и сшитые вместе. Держалось это все обычно внутренним ремнем-шнурком, потому что талия таких штанов была шире, чем, собственно, талия человека. В итоге — никаких обтянутых кожей попок и сексуально подчеркивающих мужественность паховой зоны брюк. Это случится веке этак в 15. «Варварские» штаны носили в том числе и викинги — насколько мы можем судить о том, что они носили, потому что документальных описаний их одежды довольно мало, в книжной миниатюре они также встречаются редко и в более христианизированном виде, а выкройки в свои курганы они, увы, не складывали. В общем, если вы когда-то носили шаровары или льняные брюки на шнурке, или портянки, вы в целом имеете представление о штанах «варваров». Если говорить об уже слегка более цивилизованном средневековье, например, уже после того, как норманны захватили Англию, то мужская мода начинает приобретать более общеевропейские черты с поправкой на состав ткани и количество слоев. Про штаны как некую единую конструкцию мир временно позабыл. На сцену выходят чулки (высокие). Воспользуюсь моментом, чтобы напомнить, что ничего общего с современными чулками из капрона и даже современными носками там пока нет. Чулок шили из плотной ткани, часто микса шерсти и льна, или льна и хлопка (в зависимости от сезона), по старой доброй схеме прямоугольник + прямоугольник, с заужением на стопе. Никакого изящества, только хардкор. Спасибо монахам и их манускриптам с картинками, а также неизвестным каменщикам соборов, что с таким старанием задокументировали для нас костюм среднестатестического мужчины. Например, мы знаем, что у них было что-то вроде трусов, которые одновременно частично заменяли им штаны. По структуре они чем-то напоминают знакомые нам семейники, только на шнурке и с боковыми разрезами, чтобы получить доступ к этому самому шнурку. Это то, что можно назвать нижними штанами, и то что в российской традиции переводов мы знаем как брэ. Англичане называют это breeches, но в какой-то момент оно эволюционировало в under-breeches, чтобы сделать разницу между штанами и трусами. Не считая «штанов», отличие от женского платья того же периода начинается и заканчивается в длине сорочки и верхней рубашки, которые точно так же подпоясывались. Пояс вообще был многофункциональной вещью: делал тебя более модным, на него можно было вешать всякое полезное, показывал твой статус, и держал всю твою одежду на месте. Небольшая ремарка про обувь: она в среднем не делилась на мужскую и женскую, шилась в основном из одного куска кожи, и держалась вместе за счет пряжки или шнурка. По длине доходила либо до щиколотки, либо чуть выше. Сапоги это такая вещь, до которой пока исторически люди не созрели. Немного примеров
Блохоловки По непонятным причинам в Средние века жители Западной Европы ограничивали себя в водных процедурах. Уже в наше время среди остряков историков о европейцах ходила шутка: «Жители Европы мылись два раза в жизни. Первый раз, когда крестились. Второй раз, когда их обмывали». Даже врачи, лечившие своих больных, в то время рекомендовали своим пациентам не мыться. Потому что внутренние соки помогают организму справиться с болезнью. Совсем без воды правда обойтись было нельзя. Мог человек случайно в речку упасть, или под дождь попасть. Но одно было точно. Аристократы Западной Европы забыли про римские термы. Но именно подобные ограничения в гигиене породили в гардеробе европейских аристократов такой аксессуар блохоловка. Блохи и прочие мелкие зверьки обитали на представителях европейской элиты местами до конца XVIII-го века. И между прочим духи и ароматные туалетные воды были в Европе распространены только лишь для того, чтобы отбить неприятный запах немытого тела. Так вот о блохоловках. Они были распространены в Европе в XVI-XVII-х веках. Многие из этих предметов были предметами изобразительного искусства, украшались драгоценными камнями. Не редко они могли передаваться по наследству, как память.
Принято считать, что появление блохоловок связано с охотой на ведьм, когда вместе с ведьмами в Европе выловили ещё и всех кошек, которые были главными охотниками на мышей и крыс. Ведь эти грызуны были основными переносчиками вшей, блох и клопов. Когда этих насекомых развелось слишком много, встал вопрос, как с ними бороться. И люди придумали гениальное изобретение XVI-го века – блохоловку. Помыться было бы дешевле. Продолжу. | |
Мой Леонардо Этот альбом мне подарили в 13. Премия на конкурсе в художке. Отличный, большущий фолиант, с прекрасными иллюстрациями. Издан в Дрездене, тогда ещё ГДР, мелованная бумага. "Шедевры мировой живописи". Открыл и улетел из захолустного Тушина. Чудесный, сказочный мир, раскрашенный всеми цветами радуги. Но особенной картиной, "окном в иной мир", была она – "Мадонна Литта". Не нужны были никакие усилия. Просто вошёл и полетел в этот прозрачный голубой небосвод, над голубыми горами, водопадами и рощами. Полетел как летают во сне, легко, без усилий. Только подумаешь о чём- нибудь и вот, ты уже паришь и видишь. Кажется, князь Трубецкой сказал, что икона – это окно в иной мир. Вот таким окном была и есть для меня эта маленькая картина да Винчи. Когда я увидел её в Эрмитаже, в одном из длинных коридоров с окнами на Неву, даже сначала обиделся, что такой шедевр висит не в центре огромного зала, не на самом престижном месте. Но потом понял. Этот закуток, то самое место, где можно ни на кого не глядя, медитировать. Говорят, что подлинность руки Леонардо весьма спорна. Возможно. Но мне то, что за дело? Кто, где, как? Это второстепенные вопросы. Главный вопрос – когда? Когда я снова сподоблюсь встретиться с этим миром? Может быть уже скоро? Леонардо да Винчи: чем известен, что изобрел и какие картины написал
Леонардо да Винчи. Предполагаемый автопортрет: Wikimedia Леонардо да Винчи — самая известная личность из плеяды творцов эпохи Возрождения. Века спустя его произведения ценятся все больше. Творческая и личная жизнь гения по-прежнему вызывает интерес. Кто такой Леонардо да Винчи? В мировую культуру Леонардо да Винчи вошел как универсальный человек — великий художник, скульптор, архитектор, инженер. В какой стране жил Леонардо да Винчи? Почти вся его жизнь прошла в Италии, между городами Флоренция, Милан и Рим. Но последние годы он провел во Франции, где умер и был похоронен. Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в селении Анкиано недалеко от городка Винчи, который прославился, став фамилией гения. Его матерью была простая крестьянская девушка Катерина, отцом — наследственный нотариус Пьеро. Брак между его родителями был невозможен из-за сословных предрассудков. Первые годы мальчика прошли в окружении природы в сельской местности, где он жил с матерью. Отец женился на знатной женщине, но брак оказался бездетным, поэтому он взял в свою семью добрачного ребенка. Начальное образование Леонардо получил в своем городке. В университет путь ему был закрыт, но он всю жизнь занимался самообразованием и стал самым образованным человеком своего времени. К делу отца Леонардо интереса не проявил. Видя художественные склонности сына, он устроил его в мастерскую Андреа дель Верроккьо во Флоренции, которая была тогда интеллектуальным центром Италии. У своего первого и единственного наставника Леонардо изучал основы живописи, скульптуры, попутно освоил работу со многими материалами, получил навыки ювелирного дела. В возрасте 20 лет он получил квалификацию мастера в гильдии художников. Фактом художественной жизни Флоренции эпохи Возрождения была гомосексуальность, как пишет издание Biography. В 1476 году Леонардо и еще несколько молодых людей были обвинены в таких связях. Но свидетельствами это не подтвердилось, обвинения были сняты. Само событие повлияло на характер молодого человека, усилило ненависть ко всякой несвободе и ограничениям. Его личная жизнь оставалась скрытой, известно только, что он никогда не был женат и не имел детей. В биографии Леонардо да Винчи выделяют несколько творческих периодов, связанных с разными городами. После первого флорентийского периода (1464–1482) были такие: Первый миланский период (1482–1499 гг.). Эти годы да Винчи провел при дворе герцога Людовико Сфорца как художник и инженер. Он был советником в области архитектуры, военных укреплений, гидравлики и механики. Здесь у него была обширная мастерская, много учеников. Главное творческое достижение этого периода — настенная роспись «Тайная вечеря» (1495–1498) в монастырской трапезной.
Леонардо да Винчи. «Тайная вечеря»: Pixabay Второй флорентийский период (1500–1508 гг.). Здесь Леонардо да Винчи выступил архитектурным экспертом при расследовании повреждений церкви. Много занимался научными исследованиями в области математики, в госпитале изучал анатомию человека, занимался гидрологическими исследованиями, изучал полет птиц. В этот период была создана его самая знаменитая картина «Мона Лиза». Во второй миланский период (1508–1513). Леонардо да Винчи больше занимался научными исследованиями, особенно в области анатомии — как художнику ему необходимо было досконально знать строение тела человека. В сфере его интересов были также математика, оптика, механика, геология, ботаника. Плодотворная работа была возможна благодаря особой системе сна Леонардо да Винчи. Он спал по 15–20 минут каждые 4 часа, в сумме 2 часа в сутки. Остальные 22 часа посвящал работе. В последние годы жизни да Винчи недолго жил в Риме, а с 1516 года — во Франции. Как главного художника, архитектора и механика его пригласил к своему двору король Франциск I. Кроме этих обязанностей, мастер много занимался редактированием своих научных исследований. У него начала отказывать рука, но он еще делал наброски костюмов, различных устройств и декораций для дворцовых торжеств. Умер Леонардо да Винчи 2 мая 1519 года от инсульта. Творческая деятельность Леонардо да Винчи В истории культуры Леонардо да Винчи остался как гениальный художник, ученый и инженер. Издание Biography подчеркивает, что он не видел границы между наукой и искусством, считал, что хорошим художником его сделали научные занятия. Уникальную славу Леонардо как основателя Высокого Возрождения создали 17 сохранившихся художественных произведений. Какие самые известные картины Леонардо да Винчи? Вокруг творений художника витает много мистификаций, в них находят графические коды, тайну которых пытаются объяснить до сих пор. «Мона Лиза» или «Джоконда» — самая загадочная картина, которую веками сопровождают легенды. Улыбка Моны Лизы стала загадкой на века. Ее называют неуловимой, блуждающей, бесовской, отражающей страсти в бесстрастном образе, она едва зарождается и пропадает. Несомненно, картина установила стандарты для всех будущих портретов. Сейчас шедевр хранится в Лувре за пуленепробиваемым стеклом. «Тайная вечеря» — настенная роспись со сложной судьбой. Она разрушалась, пережила несколько реставраций, последнюю, самую масштабную, — в ХХ веке. Кроме передачи глубокого евангельского содержания, в картине проявилась особая техника дымчатого эффекта мастера — сфумато. В знаменитом рисунке «Витрувианский человек» показаны идеальные пропорции человеческой фигуры. Они соответствуют формам круга и квадрата в зависимости от того, как стоит человек.
Леонардо да Винчи. «Витрувианский человек»: Pixabay
Картина «Спаситель мира», заново открытая в XXI веке, на аукционе была продана за более чем $450 млн. Britannica утверждает, что этот факт — свидетельство о непреходящем через века влиянии автора в искусстве. Научная деятельность, изобретательность Леонардо да Винчи раскрываются в его огромном наследии. Сайт Leonardo da Vinci утверждает, что это 13 тыс. страниц изобретений, творений, рисунков, чертежей. Его дневники, пишет портал Art in Context, ценятся так же, как и произведения искусства. Графики, эскизы, идеи стали итогом жизни титана мысли и бесспорным доказательством его блестящего интеллекта. В своих научных и инженерных работах гений и универсальный человек эпохи уделял особое внимание тому, что облегчит и упростит труд человека. Что изобрел Леонардо да Винчи? Среди его разработок потомкам известны: Проект металлургической печи и прокатного стана. Устройство подводной лодки, парашюта, велосипеда. Текстильные и типографские станки, мельничное оборудование, различные инструменты, в частности разводной ключ. Боевые машины и оружие: прообраз современного танка, вертолета, пулемет и многоствольная пушка. Летательная машина, созданная на основе изучения полета птиц.
Записи и эскизы в старинной тетради Записи Леонардо да Винчи: Wikimedia Многие проекты гения опередили свое время и на уровне развития техники периода Ренессанса не могли быть воплощены в жизнь. Ряд чертежей гениального изобретателя и сейчас остается загадкой. Современные исследователи изобретений Леонардо да Винчи считают, что некоторые из них дали толчок в развитии механики и промышленности. Наследие Леонардо да Винчи — часть культурной сокровищницы человечества. Слава его произведений пережила века и осталась неизменной до наших дней. Очень хороший текст: Автор: Татьяна Марценюк Продолжение следует. | |
Вот ещё замечательный текст. Две картины Леонардо да Винчи и их русская судьбинушкаСчитается, что сохранилось около 15 картин, написанных Леонардо да Винчи (помимо фресок и рисунков). Пять из них хранятся в Лувре, по одной в Уффици (Флоренция), Старой пинакотеке (Мюнхен), Музее Чарторыйских (Краков), Лондонской и Вашингтонской национальных галереях, а также в других, менее известных музеях. Впрочем, некоторые ученые утверждают, что картин на самом деле больше, но споры по поводу атрибуции работ Леонардо — занятие бесконечное. В любом случае Россия держит после Франции твердое второе место. Заглянем в Эрмитаж и вспомним историю двух наших Леонардо. «МАДОННА ЛИТТА»Картин с изображением Девы Марии написано так много, что самым известным принято давать прозвища. Нередко к ним пристает имя одного из прошлых владельцев, как и случилось с «Мадонной Литта». Картина, написанная в 1490-х годах, долгие века оставалась в Италии. С 1813 года она находилась в собственности миланской семьи Литта, представители которой весьма хорошо знали, насколько богата Россия. Именно из этого рода происходил мальтийский рыцарь граф Джулио Ренато Литта, который был в большом фаворе у Павла I и, выйдя из ордена, женился на племяннице Потемкина, став миллионером. К картине Леонардо он, впрочем, отношения не имеет. Четверть века спустя после его смерти, в 1864 году, герцог Антонио Литта обратился в Эрмитаж, совсем недавно ставший публичным музеем, с предложением купить несколько картин из фамильного собрания. Анджело Бронзино. Состязание Аполлона и Марсия. 1531–1532 годы. Государственный Эрмитаж Антонио Литта так хотел угодить русским, что прислал перечень из 44 предлагаемых на продажу работ и попросил представителя музея приехать в Милан, чтобы посмотреть галерею. Директор Эрмитажа Степан Гедеонов отправился в Италию и выбрал четыре картины, заплатив за них 100 тысяч франков. Помимо Леонардо, музей приобрел «Состязание Аполлона и Марсия» Бронзино, «Венеру, кормящую Амура» Лавинии Фонтана и «Молящуюся Мадонну» Сассоферрато. В Россию картина да Винчи прибыла в очень плохом состоянии, ее пришлось не только чистить, но и сразу переложить с доски на холст. Так в Эрмитаже появился первый «леонардо». Кстати, вот и пример споров по поводу атрибуции: создал Леонардо «Мадонну Литта» сам или с помощником? Кто был этим соавтором — его ученик Больтраффио? А может, Больтраффио написал ее целиком, по наброску Леонардо? Окончательно этот вопрос до сих пор не разрешен, и «Мадонна Литта» считается немного сомнительной. У Леонардо да Винчи было множество учеников и последователей — их называют «леонардески». Порой они истолковывали наследие мастера весьма странно. Так появился тип обнаженной «Моны Лизы». В Эрмитаже есть одна из таких картин работы неизвестного автора — «Донна нуда» («Обнаженная женщина»). Она появилась в Зимнем еще при Екатерине Великой: в 1779 году императрица приобрела ее в составе коллекции Ричарда Уолпола. Кроме нее, в Эрмитаже также находится большая коллекция других леонардесков, включая копию одетой «Моны Лизы». «МАДОННА БЕНУА»Эта картина, написанная в 1478–1480 годах, также получила прозвание в честь своего владельца. Причем она вполне могла бы называться «Мадонной Сапожникова», но «Бенуа», конечно, звучит красивее. Эрмитаж приобрел ее у жены архитектора Леонтия Николаевича Бенуа (брата знаменитого Александра) — Марии Александровны Бенуа. Она была урожденной Сапожниковой (и, кстати, приходилась дальней родственницей художнице Марии Башкирцевой, чем гордилась). Прежде картиной владел ее отец, астраханский купец-миллионер Александр Александрович Сапожников, а до него — дед Александр Петрович (внук Семена Сапожникова, за участие в пугачевском бунте повешенного в селе Малыковка одним молодым поручиком по имени Гаврила Державин). В семье рассказывали, будто бы «Мадонну» Сапожниковым продали бродячие музыканты-итальянцы, которых неведомо как занесло в Астрахань. Василий Тропинин. Портрет А.П. Сапожникова (деда). 1826; портрет А.А. Сапожникова (отца), 1856. Но на самом деле Сапожников-дед приобрел ее в 1824 году за 1400 рублей на аукционе после смерти сенатора, президента Берг-коллегии и директора Горного училища Алексея Корсакова (который, видимо, привез ее из Италии в 1790-х). Удивительно — когда после смерти Корсакова его коллекцию, где были Тициан, Рубенс, Рембрандт и другие авторы, выставили на аукцион, Эрмитаж купил несколько работ (в частности, Милле, Миньяра), но этой скромной «Мадонной» пренебрег. Став владельцем картины после смерти Корсакова, Сапожников занялся реставрацией картины, по его просьбе ее сразу перевели с доски на холст. Орест Кипренский. Портрет А. Корсакова. 1808. Руский музей. Русская общественность узнала об этой картине в 1908 году, когда придворный архитектор Леонтий Бенуа выставил работу из коллекции своего тестя, а главный хранитель Эрмитажа Эрнест Липгарт подтвердил руку мастера. Это произошло на «Выставке западноевропейского искусства из собраний коллекционеров и антикваров С.-Петербурга», открывшейся 1 декабря 1908 года в залах Императорского общества поощрения художеств. В 1912 году супруги Бенуа решили продать полотно, картину отправили за рубеж, где эксперты осмотрели ее и подтвердили подлинность. Лондонский антиквар Дювин предложил 500 тысяч франков (около 200 тысяч рублей), однако в России началась кампания за покупку работы государством. Директор Эрмитажа граф Дмитрий Толстой обратился к Николаю II. Супруги Бенуа тоже хотели, чтобы «Мадонна» осталась в России, и в итоге уступили ее Эрмитажу в 1914 году за 150 тысяч рублей, которые выплачивались в рассрочку. Любопытно: великий поэт-футурист Велимир Хлебников, астраханец и соотечественник Сапожниковых, в декабре 1918 года в своей статье «Астраханская Джиоконда» (газета «Красный воин») восклицал: «Не может ли эта картина рассматриваться как общенародное достояние города Астрахани? Если да — то бесценная эта картина должна быть водворена на свою вторую родину. Петроград имеет достаточно художественных сокровищ, и взять из Астрахани «Мадонну» — не значит ли это отнять у бедного его последнюю овцу?» Но не вышло — не вернулась картина в Астрахань. Продолжу. | |
Мой Микеланджело. ИСТИНА Я удивляюсь, Господи, Тебе. Поистине, кто может, тот не хочет. Тебе милы, кто добродетель корчит, А я не умещаюсь в их толпе. Я твой слуга. Ты свет в моей судьбе. Так связан с солнцем на рассвете кочет. Дурак над моим подвигом хохочет, И небеса оставили в беде. За истину борюсь я без забрала. Деяний я хочу, а не словес. Тебе ж милее льстец или доносчик. Как небо на дела мои плевало, Так я плюю на милости небес. Сухое дерево не плодоносит… Микеланджело Буонаротти Перевод А. Вознесенского Это единственный и неповторимый гений, который заставил человечество смотреть на себя снизу вверх, открыв рот. Я имею в виду не только росписи в Сикстинской капелле. Всё творчество Микеланджело Буонаротти пронизано духом свободы от мирских догм и схоластических оков. Ему не повезло, девушки его не любили. Да, как можно любить кривого, косого, почти горбуна. Но зато он был невероятно физически силён. А попробуйте помахать бучардой или молотком по резцу денёк- другой, отсекая тонны камня. Его боялись даже папы. Его сила была безгранична. Это и нём писал молодой Андрей Вознесенский: Мастера Первое посвящение Колокола, гудошники… Звон. Звон… Вам, Художники Всех времен! Вам, Микеланджело, Барма, Дант! Вас молниею заживо Испепелял талант. Ваш молот не колонны И статуи тесал — Сбивал со лбов короны И троны сотрясал. Художник первородный Всегда трибун. В нем дух переворота И вечно — бунт. Вас в стены муровали. Сжигали на кострах. Монахи муравьями Плясали на костях… И т.д. Когда- то я знал это наизусть. Увы. Время летит, но мой Микеланджело всегда со мной, как тогда в бунтарской юности. Нет, я не создал свою Пьету, не расписал Сикстинскую капеллу, не изваял своего Давида. Я придумал формулу универсальных динамических декораций, когда ещё слово компьютер даже не было в лексиконе. И много ещё чего в этом духе. Что-то осуществил, но многое осталось в столе. Я не боролся за свои идеи. Лоб поберёг. И не жалею. Признаться, когда вижу в мировой сценографии попытки приблизиться к тем прозрениям, испытываю чувство сродное со скупым рыцарем, чахнущим над своими сокровищами. Но это не убивает, а даёт новые силы. Значит мир ещё не готов. Аминь! И здесь Он, мой Микеланджело приходит, кладёт тяжёлую ладонь на моё плечо, я понимаю: всё хорошо. За всё слава Богу!
5 марта 2020 Экспресс газета Его мама, Франческа ди Нери, будучи на сносях, упала с лошади. Кормить сама она уже не могла, и новорожденного отдали в семью каменотесов по фамилии Тополино. Повзрослев, Микеле часто навещал приютившее его семейство и вместе с кучей отпрысков Тополино-старшего учился орудовать молотком и зубилом. Привязанность к этим простым людям гений итальянского Возрождения пронес через всю жизнь.
Когда мальчику исполнилось шесть лет, его мать, не выдержав очередной беременности, умерла. Отец ушел в себя, домом управляла тетка Кассандра, и ребенок оказался никому не нужен. Микеланджело сбегал за город к Тополино. Паренек ловко орудовал обеими руками, придавая камню нужную форму, и здорово рисовал, но Буонарроти-старший - мэр городка Капрезе - видел в сыне только банкира или ростовщика. За строптивость мальчишку жестоко пороли. И только когда Микеле стал отдавать отцу флорины, которые ему согласились платить в школе живописи, как наиболее талантливому ученику, Лодовико Буонарроти махнул рукой на причуды наследника. Пройдет время, и, создавая знаменитые фрески, Микеланджело в образе святых изобразит мощные фигуры каменотесов, что вызовет возмущение церкви. Вообще с анатомией он познакомился довольно поздно, с трудом добившись права присутствовать на вскрытиях в монастырском морге. До этого интуитивно угадывал очертания тел. «Ты, видно, уже рисовал голых женщин!» - подтрунивали над ним приятели. «Разве я не видел их, когда они собирают бобы в поле?» - оправдывался Буонарроти. Создавать анатомически выверенные изваяния - то, к чему он стремился всю жизнь. Важные вехи 6 марта 1475 г. Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони - таково полное имя мастера - родился в Капрезе в Тоскани. У Микеле четверо братьев: Леонардо, Сиджизмондо, Джовансимоне и Буонаррото. 1481. Смерть матери, Франчески ди Нери. В 1485-м отец Микеланджело женился повторно - на Лукреции Убальдини. 1488. Против воли отца поступил в мастерскую художника Доменико Гирландайо. 1489. Перешел в школу под патронатом Лоренцо де Медичи - фактического хозяина Флоренции. Стал своим человеком при дворе, попал в круг поэтов и гуманистов. 1490 – 1492. Написал «Мадонну у лестницы» и «Битву кентавров». 1492. После смерти Лоренцо де Медичи вернулся домой. 1494 – 1495. Жил в Болонье, создал скульптуры для арки Святого Доминика. Во Флоренции сваял «Святого Йоханнеса» и «Спящего купидона». 1497. В Риме создал «Пьяного Бахуса». В 1572-м статую перевезли во Флоренцию. 1503. Написал «Двенадцать апостолов», работал над Святым Матфеем для флорентийского собора. 1505. Самовольно покинул Рим, узнав, что Папа Юлий II отказался оплачивать заказанную ему гробницу. После долгих переговоров скульптору было даровано прощение. 1514. Создал фасад церкви Медичи Сан Лоренцо во Флоренции. 1520 – 1534. Спроектировал и построил библиотеку Лауренциана. 1546. В Риме закончил работу над Палаццо Фарнезе, создал архитектурный ансамбль Капитолия, стал главным архитектором собора Святого Петра. 18 февраля 1564 г. Умер в Риме. Похоронен во Флоренции в церкви Санта-Кроче. Кстати. На закате жизни Микеланджело жаловался на бедность. Между тем на момент смерти его состояние по современному курсу составляло десятки миллионов долларов. Устыдился тщеславия В 1497-м Микеланджело изготовил великолепную пьету - «Оплакивание Христа», выставленную в одной из капелл собора Святого Петра. Правда, авторство поначалу приписали другому скульптору. И тогда мастер высек на камне: «Микеланджело Буонаротти, флорентиец, сделал это». Позже он сожалел о своем поступке и не подписывал скульптуры. Пьета действительно уникальна - ее создателю едва исполнилось 24. Вот почему уже современники называли Микеланджело божественным. При этом Буонарроти всегда был собою недоволен. Рафаэль говорил о нем: одинок, как палач. Тот избегал толпы, в гневе мог разогнать помощников. Строго спрашивал, прежде всего с себя. Перед смертью сетовал, что недостоин встречи с раем, так как не оставил потомков - только каменные изваяния. Несокрушимый гигант Подлинник статуи Давида можно увидеть во Флоренции в Академии изящных искусств. Изначально его представили на площади Синьории 8 сентября 1504 года. Но он разрушался, и в 1910-м там установили копию. Пятиметровое изваяние весом в шесть тонн Микеланджело высек из единой глыбы мрамора. Причем камень был испорчен и мог разрушиться. Верхняя часть скульптуры получилась более масштабной, правая рука крупнее левой. Давид косоглаз, к тому же у него не хватает мышцы на спине. Зато мастер точно изобразил набухание яремной вены на шее в момент напряжения, при том что система кровообращения в его время не была хорошо изучена. И детально выписал половые органы, настаивая, что должен делать все точно так же, как Господь Бог, создавая Адама. Язык-бритва Мастер любил пригвоздить собратьев по цеху. О чьей-то картине, изображавшей скорбь о Христе, высказался так: «Поистине скорбь смотреть на нее». Другой творец, написавший полотно, где лучше всего вышел бык, получил от Микеланджело: «Всякий художник хорошо пишет самого себя». Скрестили кисти Леонардо да Винчи, родившийся на 23 года раньше Буонарроти, видел в нем соперника и дразнил Микеланджело, превознося живопись и презрительно отзываясь о скульптуре. Однажды Буонарроти отпустил шпильку в адрес да Винчи по поводу его незаконченной конной статуи в Милане. В ответ Леонардо посоветовал прикрыть интимные места Давиду. Соперникам предложили расписать зал Палаццо Веккьо в Риме, выбрав для этого батальный сюжет. Да Винчи сосредоточился на изображении лошадей, а Буонарроти опять нарисовал «обнаженку» - солдат, застигнутых командой к сбору в момент купания. Работа из-за перебранок гениев затянулась и в итоге была перепоручена другим художникам. Потолок покрасьте Микеланджело нередко уничтожал свои творения, считая их несовершенными. В 1508 - 1512 годах, расписывая Сикстинскую капеллу Ватикана, он придумал подвесные леса, которые прикрывали потолок, - не хотел показывать результат раньше времени. Мастер почти не выходил из помещения. Работал стоя, сильно запрокинув голову. В одном из стихотворений описал свое состояние: «Калекой, горбуном, хромцом, уродом я стал, трудясь, и, видно, обрету лишь в смерти дом и пищу по доходам…» И в добавление к несчастьям: «Резь, лихорадка, боль зубов и глаз...» Четыре года под сводом капеллы подорвали здоровье Микеланджело: он страдал остеоартритом, сколиозом и астмой из-за постоянного вдыхания ядовитых красок. Вот вам и «здрасьте - потолок покрасьте». Гениталии задрапировали С 1537 по 1541 год на стенах алтаря Сикстинской капеллы Микеланджело создавал фреску «Страшный суд». Картина со множеством обнаженных тел вызвала переполох. Художник отказался прикрыть гениталии персонажей, и тогда это поручили сделать другому живописцу - тот задрапировал чресла кусками материи. За что получил кличку Штанописец. Современные исследователи заподозрили, что в образах святых Буонарроти изобразил посетителей общественных бань, в которые частенько захаживали гомосексуалисты. К слову, заднеприводные любят намекать на общность интересов с гением. Однако однозначного мнения на этот счет нет. Скажем, в юности Микеле был серьезно увлечен дочерью Медичи Контессиной. В 61 год в его жизни появилась 47-летняя вдова Виттория Колонна. Их роман в письмах продолжался десять лет, было несколько личных встреч. Говорят, скульптор несколько раз делал предложение, но Виттория твердо решила не вступать после смерти мужа в брак. В 1547-м в возрасте 57 лет Виттория умерла на руках у Микеланджело. Он сочинил сонет на смерть дамы своего сердца и больше после этого не писал. Перестал заниматься живописью, не принимал заказы на скульптуры. Брался лишь за небольшие архитектурные проекты. Продолжу. | |
Мой Караваджо. Что роднит меня с этим экстравагантным, бесшабашным человеком. Темперамент? Да, такой же взрывоопасный лет до 60- ти. Любовь к эпатажу? Отчасти. Удивлять только в работе, в жизни тише травы. Увы. Не всегда получалось. Любовь к световым и цветовым контрастам как в театре. Да, этого не отнимешь. Конечно, с поправкой на Его гениальность. Ещё студентом не мог понять как можно так видеть мир. Если писать при резком свете в тёмной мастерской, то холст практически не видно, краску берёшь и кладёшь наугад. Попробовал через отражение чёрного зеркала, получилось идеально. Свет в мастерской дневной, рассеянный, но в отражении все объекты в контрасте. Именно таком как у Караваджо. Подражал года два. Конечно, разница в технике, композиции, но вцелом урок был весьма полезен. С тех пор остался один, пожалуй, главный принцип – Свет и тьма. Свет как проявление божественного и тьма – сатанинского. Великое исчезновение: жизнь и загадочная смерть гениального живописца Караваджо Микеланджело Меризи, известный всему миру как Караваджо, всю свою недолгую жизнь слыл бунтарем. Судьба бросала его из края в край, а он искал свою «истину» и, судя по полотнам художника, обрел ее. Вот уже больше столетия пляж Фенилья притягивает к себе туристов. 400 лет назад на безлюдном тогда побережье близ рыбачьего городка, в 160 километрах от Рима, оборвалась жизнь великого Караваджо… О его смерти узнали из сообщения в информационном листке «аввизи» спустя две недели. Ошеломленные известием друзья художника предприняли собственное расследование. Но никто из местных жителей не знал о трагедии, разыгравшейся здесь 18 июля 1610 года. Микеланджело да Караваджо исчез…
Оттавио Леони. Портрет Караваджо. Около 1621 года Источник: Wikimedia Commons А вместе с ним исчезло и его величие. Монументальные полотна, перед которыми замирали в восхищении сотни прихожан, незаметно выносили из храмов. Коллекционеры продавали картины, за обладание которыми только что шла ожесточенная борьба. Непроданные творения перекочевывали из парадных залов на чердаки и в подвалы, где большинство из них погибло. Мир пытался жить без Караваджо. И только ХХ век, словно луч света в камере-обскуре, с помощью которой по заветам Леонардо да Винчи создавал свои шедевры Микеланджело из Караваджо, озарил творчество гения. Но в игре света и тени, между мягкими переходами и резкими гранями, затерялась полная драматизма судьба Караваджо. Певец римских улиц Всему виной характер Караваджо — вспыльчивый, неугомонный, яростный. Он жил не так, как подобает художнику. И писал не так, как подобает художнику. Запальчивые споры, часто заканчивающиеся скандалами и ссорами, современники еще могли бы ему простить. Но он убил живопись! Правда, подобное мнение сформировалось спустя четверть века после смерти художника. Даже само понятие «натуралист» стало ругательным. Очень легко сложился образ демонического художника, воспевающего городские трущобы и чернь. Официальный художник мадридского двора Висенте Кардуччи в книге «Диалоги о живописи» (1633) объявил Караваджо «гениальным чудовищем», а его появление в живописи уподобил ни много ни мало явлению Антихриста. Даже Стендаль, большой знаток итальянского искусства, в «Прогулках по Риму» не преминул заметить, что художник считается «злодеем». А гений и злодейство, как помнится, вещи несовместные. Но как ни старались церковь и недоброжелатели спрятать кричащее творчество Караваджо от глаз народа, оно пробивалось к нему через своих последователей. Школа Караваджо проглядывает в творчестве Рубенса, Веласкеса, Сурбарана, Рембрандта, Ван Дейка, Давида. Художественное наследие уже невозможно без Караваджо. Теперь, спустя века, остается только констатировать его величие. Миланский период Приземистые домики маленького городка Караваджо, что в 40 километрах восточнее Милана, затерялись на просторах Паданской равнины в окружении садов и виноградников. Однажды в этих садах крестьянской девочке, собиравшей цветы, было видение Богоматери, и в этом месте из-под земли внезапно забил родник. В честь такого события горожане решили построить часовню. А одним из подрядчиков строительства стал двоюродный брат отца Микеланджело Меризи, которого позже прозвали Караваджо. Отец будущего художника, Фермо Меризи, был архитектором и занимал должность управляющего у маркиза Франческо Сфорца да Караваджо — представителя одной из ветвей когда-то могущественного миланского рода. Как известно из истории, Миланское герцогство после ряда проигранных сражений распалось, и с 1535 года началось 170-летнее испанское господство — самые черные годы в истории Милана. Произвол испанцев иной раз переполнял чашу терпения, и тогда стихийно вспыхивали жестоко подавляемые народные восстания.
"Мальчик, укушенный ящерицей" Когда сочетались браком родители Караваджо, известно доподлинно: 14 января 1571 года в Милане состоялось венчание Фермо Меризи и двадцатилетней Лючии Аратори, дочери состоятельного землевладельца из Караваджо. Но о рождении первенца архивных сведений не сохранилось. Однако в регистре миланской церкви Санта-Мария делла Пассарелла имеется запись от 21 ноября 1572 года о появлении на свет второго сына супругов Меризи — Джована Баттисты. Следовательно, Микеланджело мог родиться в сентябре или октябре 1571 года. Весной 1576 года, в год смерти великого Тициана, в Ломбардии вспыхнула страшная эпидемия чумы. Она унесла и Фермо Меризи, и его старшего брата, и их отца… Никто не успел написать завещание. И Лючия с детьми на руках оказалась без средств к существованию. Вскоре скончался и маркиз Сфорца. Его жена — Констанция Колонна, дочь прославленного адмирала, выигравшего сражение при Лепанто в 1571 году, где принимал участие и Мигель Сервантес, — была дружна с матерью будущего художника. Сыновья маркизы и дети Меризи росли вместе. Только благодаря ее поддержке Лючии удалось отсудить несколько земельных наделов с виноградниками. Маркиза первой заметила талант маленького Микеланджело и покровительствовала ему почти до самой его гибели. Всю свою жизнь Караваджо будет с трепетом и почитанием относиться к этой женщине и ко всему клану Колонна. Однако, отмечая его успехи, в целом она останется равнодушной к его творчеству. Полный благодарности, он предложит написать ее портрет, подобный тому, который когда-то его великий тезка подарил родственнице маркизы, известной поэтессе Виттории Колонна. Маркиза вежливо отказалась. Лючия хотела определить Микеланджело в духовную семинарию. Но мальчик отказался наотрез. К явному неудовольствию учителя приходской школы сын Меризи не расставался с карандашом, зарисовывая что-то на клочке бумаги. Эта привычка останется у Караваджо навсегда. Каждая линия, каждый мазок на его картинах будут продиктованы самой жизнью. Решающее слово при выборе обучения Микеланджело произнесла маркиза Колонна, и вопреки традициям рода Меризи его определили на обучение в живописную мастерскую к художнику Симоне Петерцано в Милане. Это была настоящая удача. И дело не в том, что мастерская Петерцано считалась одной из лучших. Первым учителем будущего Караваджо стал ученик Тициана, человек передовых взглядов, имеющий собственные представления об истории и развитии изобразительного искусства. В историю живописи Симоне Петерцано войдет главным образом как учитель Караваджо. Хотя его кистью написан алтарный образ для Миланского собора — честь, которой удостаивались немногие. К Микеланджело учитель относился с особым вниманием. Отчасти потому, что мальчику покровительствовала влиятельная маркиза, отчасти из-за его характера — ершистого и драчливого. Но больше всего потому, что наставника поражала потрясающая способность юнца схватывать мысль на лету и тут же запечатлевать ее на бумаге. Как-то перед Пасхой Петерцано взял его с собой в Венецию. Она свела Микеланджело с ума! И безумство венецианского карнавала оказалось лишь фоном, на котором развернулось основное действо. Они остановились в гостевом доме монастыря Санта-Мария Глориоза деи Фрари, где покоился прах Тициана и находились два его творения. Петерцано все рассчитал. День за днем он открывал потрясенному ученику шедевры, которые хранила Венеция. А вечерами Микеланджело бродил по лабиринтам улочек, впитывая магическую красоту этого города. Именно здесь впервые проявился необузданный нрав художника, который доставит ему потом столько неприятностей. Он стал наведываться в злачные места, бордели, питейные заведения с азартными играми в карты и кости. И если вначале Петерцано смотрел на похождения своего ученика сквозь пальцы, то в скором времени постоянные синяки и ссадины, с которыми под утро возвращался Микеланджело, стали причиной его скорейшего возвращения домой. Контракт, подписанный с Петерцано на четыре года, заканчивался, но Микеланджело остался завершить несколько заказов. Он оговорил для себя льготные условия и, когда с наступлением сумерек обретал свободу, отправлялся в ночные похождения. Рассказывая о миланском периоде Караваджо, его друг и биограф Джулио Манчини упоминает о постоянных драках и скандалах, задокументированных полицией. Он вечно нуждался и влезал в долги. В течение трех лет Микеланджело частенько наведывался в родной городок, пока не промотал все, что ему выделялось любящей матерью. Поначалу дела молодого художника складывались неплохо. Но осенью 1591 года во время очередного скандала произошло убийство. О нем мало известно. Непонятно, был ли Микеланджело Меризи виновен или оказался просто очевидцем? Будучи натурой вспыльчивой и импульсивной, он уже от малой дозы алкоголя терял голову и лез в драку. Как бы то ни было, художнику пришлось бежать, оставив впопыхах все свои работы, которые затем бесследно пропали. Карьера рухнула, все планы и надежды были разом перечеркнуты… Новый период его нелегкой жизни начинался с нуля. Папский Рим В начале 1592 года в Риме был избран новый понтифик. Климент VIII, едва взойдя на престол, объявил граду и миру (Urbi et Orbi) о намеченных грандиозных работах по благоустройству Рима в преддверии предстоящего празднования юбилейного 1600 года. Объявленная программа торжеств сулила выгодные заказы. В Рим потянулись зодчие, ваятели, живописцы. Туда же в поисках удачи и устремился Микеланджело Меризи. В наши дни Рим Микеланджело Буонарроти и Рафаэля по праву считается и городом Караваджо. Здесь он провел самый яркий период своего творчества. И через века толпы туристов с путеводителями в руках будут ходить по местам, овеянным его славой. В Вечном городе жил дядя художника, Лодовико Меризи. Он помог племяннику устроиться на службу к прелату Пуччи. Этот делец в сутане содержал небольшую художественную мастерскую, изготовляющую копии с различных картин, которые затем продавал. Вероятно, дядя известил прелата о сложном характере работника, потому что Пуччи следил за каждым шагом художника. В мастерской прелата юный Караваджо пробудет недолго. Писать копии при постоянной слежке и придирках! Не для этого он прибыл в Рим. Но денег не было, обращаться к дяде снова он не осмелился. Зима 1593 года была дождливой и холодной, Караваджо голодал и ночевал у костра, как все бездомные. Случайно на его пути встретился младший брат художника Джузеппе Чезари д’Арпино. Молодые люди быстро нашли общий язык, и Бернардино предложил другу крышу над головой. В благодарность за гостеприимство Меризи написал его портрет. Картину увидел старший брат и предложил Караваджо поработать у него. Мастерская Чезари д’Арпино оказалась процветающим предприятием, где изготовление картин было поставлено на поток. Но отношения с работодателем не заладились. Где же это видано, возмущался Чезари, чтобы цветы были с пожухлыми листьями! К тому же оказалось, что за «гостеприимство» — кисти, краски, рабочее место, топчан с тюфяком — надо расплачиваться собственными картинами. Первые творения Караваджо — это небольшие полотна с незамысловатыми сюжетами, писанными как всегда с натуры. Он рисовал уличных мальчишек, жалких бродяг, завсегдатаев трактиров. Сильное впечатление произвела на окружающих картина «Юноша с корзиной фруктов». Это удивительный сплав портрета и натюрморта.
«Юноша с корзиной фруктов» Источник: Wikimedia Commons Считается, что жанр натюрморта начался в итальянской живописи с Караваджо. Натурщиком был Марио Миннити, подручный в мастерской, которого Караваджо выбрал себе в помощники. Это было начало долгой и верной дружбы, и красавец Марио с этого момента будет смотреть со многих полотен художника. В мастерской д’Арпино картину «Юноша с корзиной фруктов» видели меценаты, купцы, кардиналы, послы. Она была настолько непохожа на официальное искусство, что казалось, бросала вызов. Успех вскружил Караваджо голову. Снова жизнь понесла его по кабакам и притонам. Как-то друзья нашли его лежащим на полу без сознания в горячке. В госпитале им объявили, что надежды нет. К счастью, приор госпиталя оказался ценителем живописи. Он поставил диагноз — острый приступ малярии с осложнением на печень и почки — и полгода выхаживал художника. Немного поправившись, Караваджо решил отблагодарить приора и написал по памяти несколько картин. Растроганный приор увез их к себе на родину, в Севилью, и там, вполне возможно, их могли увидеть Веласкес и Сурбаран. Однако здесь, быть может, берет начало история, которая объясняет загадочное исчезновение Караваджо на побережье около Порто-Эрколе. Одна из сестер-монахинь, Лючия, приглянулась молодому художнику. Он, с одобрения приора, принялся писать ее портрет, уговорил распустить волосы и слегка обнажить плечо. Но в эту минуту на пороге палаты показался разъяренный брат девушки. С ним и другими братьями Лючии Караваджо не раз сталкивался в злачных местах. Это оказались братья Томассони, которые поделили между собой Рим на сферы влияния и наводили в нем «порядок». Пригрозив страшной местью за «поруганную честь сестры», Рануччо Томассони набросился на художника. Его схватили и выдворили из госпиталя. Но с именем этого семейства связан весь ужас дальнейшей жизни Караваджо. К Чезари д’Арпино он больше не вернулся. Один из друзей предложил жилье и мастерскую. Это был всего лишь подвал, правда теплый и сухой. Но Караваджо несказанно обрадовался этому: новое место обитания с единственным источником света — дверью — больше всего напоминало камеру-обскуру, о которой писал великий Леонардо. Оттачивая мастерство, художник писал не отрываясь весь 1594 год. В это время одна из созданных картин — «Юноша, укушенный ящерицей» — привлекла внимание коллекционеров. Картина Караваджо, как стоп-кадр, запечатлела миг движения. Впервые в мировой живописи было изображено непроизвольное движение души и тела, инстинктивный взмах рук. Затем появилась предсказывающая судьбу «Гадалка» — жизненная история, случившаяся с Караваджо. Она нагадала ему близкую смерть от недобрых парней, а художник так вдохновился натурой, что пригласил ее домой для позирования. Сеанс удался, несмотря на то что черноокая натурщица стащила колбасу и вино, припасенные для ужина.
«Гадалка» Источник: Wikimedia Commons Теперь картины заказывали, за них платили. И если бы не страсть Караваджо к кабакам и играм, жить было бы не так уж и плохо. Одну из работ — «Отдых на пути в Египет» — купил восхищенный кардинал дель Монте. (Сегодня она находится в знаменитой римской картинной галерее Дориа-Памфили.) В мастерски воссозданную атмосферу поэтичности и покоя верный себе автор внес бытовые нотки. Так, крылья ангела имеют грязно-серый оттенок, явно подсмотренный художником у голубей с римских улиц. А канонический ослик, чья морда выразительно выглядывает из-за плеча Иосифа, умеет слушать мелодию, о чем говорит его взгляд, устремленный на играющего ангела. Для Девы Марии позировала проститутка Аннучче, которую Караваджо любил и часто изображал на своих картинах. С этой картины на Караваджо началась настоящая охота. Богатые меценаты наперебой предлагали ему свое покровительство, но он не торопился с ответом. Только осенью 1594 года художник отдал наконец предпочтение кардиналу Франческо Мария Борбоне дель Монте. Художник и меценат Выбор оказался удачным. В замке кардинала Караваджо проведет почти пять лет, которые отшлифуют его мысли и технику. Кардинал имел либеральные взгляды, и в его доме часто бывали Галилей, Джордано Бруно и Томмазо Кампанелла. Маэстро Галилей, едва ему представили художника, принялся с жаром доказывать, что живопись по выразительности уступает музыке. Застывшая картинка производит гораздо меньшее впечатление, чем меняющиеся звуки. Караваджо промолчал, но в следующее посещение изумленный ученый увидел «Музицирующих мальчиков».
«Музицирующие мальчики» Источник: Wikimedia Commons Для художника были важны не льющиеся звуки музыки, а пауза. Он писал картину ради мига, который обычно не задерживается в памяти, но продолжает жить на холсте. Музыканты на картине отложили инструменты, перелистывая партитуру. Еще витают отзвучавшие нотки, слышен шелест страниц, но зрители и персонажи картины находятся в ожидании нового allegro. Потрясенный Галилей пожал художнику руку… Но больше всего поразил современников щит «Голова Медузы». Караваджо писал его по заказу дель Монте. Кардинал хотел подарить щит герцогу Фердинанду I Медичи взамен утерянного, который расписал когда-то Леонардо да Винчи. Караваджо выкинул из головы сюжет, который пытался донести до него дель Монте. На щите он изобразил крик. Отрубленная голова Медузы с искаженным от ужаса лицом вопит от боли! «Такого живопись не знала, чтобы на холсте был слышен крик!», — написал о картине известный поэт Джамбаттиста Марино.
«Голова Медузы» Источник: Wikimedia Commons Караваджо становится знаменитым. Однако президент Академии Святого Луки наотрез отказался принять его в члены академии, в священный ареопаг избранных. «Пусть рисует себе уличных бродяг! — заявил Федерико Дзуккари. — Черни не место в нашей академии!» Но, несмотря на оценку коллег, интерес к художнику-новатору рос с каждым днем. А Караваджо тем временем грустил… Теперь он мечтал о новом зрителе. Отказ академии означал, что ему никогда не дадут крупных работ, которые могло бы увидеть множество людей. И его удел ублажать вкусы небольшой группки коллекционеров, соперничающих друг с другом. Однако он ошибался. При содействии друзей Караваджо был приглашен во дворец кардинала Барберини, где написал его портрет. Работа так понравилась кардиналу, что художнику было предложено создать три сюжета для церкви Сан-Луиджи деи Франчези. Караваджо подмахнул контракт, даже не посмотрев на сумму гонорара. Первую из трех картин он писал уже не в замке дель Монте. Кардинал стал уставать от вечно вспыльчивого постояльца. А для Караваджо замок покровителя был хоть и золотой, но все же клеткой. Они расстались без упреков и обид. И в дальнейшем кардинал не раз помогал художнику и остался самым ревностным ценителем его таланта. Новый покровитель Караваджо, кардинал Маттеи, восхищался художником не меньше дель Монте. В его доме, в отличие от строгих порядков прошлого хозяина, царила вольница, дышалось легко. Здесь Караваджо прожил полтора года и создал свои первые монументальные полотна. В первые дни Великого поста по всему городу разнесся слух о новой картине в церкви Сан-Луиджи деи Франчези. Римский люд валом пошел смотреть «Призвание апостола Матфея». Большинство картин Караваджо на библейский сюжет. Но художник, актуализируя проблему добра и зла, переносит его из древней Палестины в современные ему дни, изображая современников и жанровые сцены, которые происходят повсеместно.
«Призвание апостола Матфея» Источник: Wikimedia Commons Таким образом, язык искусства, которым владел Караваджо, оказался понятен всем. Люди видели себя персонажами его картин. К тому же, верный своим принципам, он настолько точно прорисовывал каждую деталь, что созданный им живописный мир расширялся, вбирая в себя зрителей. Вторая картина была написана после казни Джордано Бруно. Караваджо знал его лично. После одного из скандалов художник попал в тюрьму Тординона, его посадили в камеру к опальному философу. Три дня они провели в разговорах, и его мысли крепко засели в сознании Караваджо. Ему хотелось попрощаться с человеком, ошеломившим глубиной знаний и невероятной смелостью мысли. Когда запылал огонь, один из друзей Караваджо схватил карандаш и стал наносить в альбом быстрые штрихи. Караваджо с негодованием вырвал у него альбом. Пережитые чувства вылились в «Мученичестве апостола Матфея». Художник перенес акцент со святости на жестокость. Он трижды менял композицию, пока не добился динамики. От центральной фигуры, убийцы атлетического сложения, кругами расходятся волны порождаемого страха. Все внимание сосредоточено не на святом апостоле, а на убийстве и убийце. Люди, видевшие картину, отшатывались в ужасе. Настолько эмоционально сильно она воздействовала на восприятие зрителями сюжета.
«Мученичество апостола Матфея» Источник: incamerastock / Alamy via Legion Media Воодушевленный успехом Караваджо приступил к третьей картине. «Апостола Матфея и ангела» духовенство не приняло. Церковный клир не устроила приземленная фигура апостола в облике плешивого крестьянина. Вызвали нарекание и грязные босые ноги, обращенные к зрителю. Это была первая крупная неудача Караваджо. Сюжет пришлось переписывать. Его можно и сейчас увидеть в церкви Сан-Луиджи деи Франчези, вот только отображение мира на полотне совсем не караваджевское — сказалось давление заказчиков.
«Апостол Матфея и ангел» Источник: Wikimedia Commons А тем временем жизнь под покровительством кардинала Маттеи подходила к концу. Все чаще и чаще Караваджо задумывался о свободе, о собственной мастерской. В этот момент на его пути повстречалась Маддалена Антоньетти, по прозвищу Лена. Бойкая девушка жила вместе с матерью и сестрой. Все трое были известными куртизанками в Риме. Впервые увидев Лену, Караваджо был сражен ее красотой. Но она была опытной женщиной: отвергала знаки внимания, наотрез отказывалась позировать. И все же их встречи участились, и Караваджо снял для нее флигель в переулке Сан-Бьяджо. Но этот роман принесет Караваджо лишь страдания. Она была властна и упряма, ссоры между любовниками вспыхивали постоянно. И тем не менее разлука с ней становилась для него невыносимой. Когда Лена наконец прониклась к любовнику доверием, она раскрыла ему, единственному, свою тайну. Оказалось, что у нее есть ребенок, о существовании которого никто не знал. Девица скрывала его в приюте для сирот под Римом. Караваджо тут же предложил ей поселиться с ним на Сан-Бьяджо. Лена великодушия не оценила. А Караваджо все чаще и чаще завидовал семейному счастью своих друзей. Ему хотелось иметь собственный угол, жену, детей… Встречи с Леной проходили урывками, он ревновал. И в то же время этот период чуть ли не самый счастливый в жизни Караваджо. Прошло восемь лет с тех пор, как он появился в Вечном городе, и теперь о нем говорили как о первом художнике Рима. Правда, деньги по-прежнему не держались в его руках. То кому-то из друзей нужна была срочная помощь, то, увлекшись, он просаживал в карты огромные суммы. Но заказов поступало много, ему еще предстояло написать две крупные работы для церкви Санта-Мария дель Пополо. Расставшись с Маттеи, Караваджо переехал в переулок Сан-Бьяджо. Пока он с увлечением обустраивал жилище, Лена исчезла. Как выяснилось позднее, она ушла от него к скромному молодому литератору. Караваджо кричал под ее окнами, умолял вернуться… А Рим между тем ожидал воцарения нового папы. На смену Клименту VIII на престол взошел Камило Боргезе, принявший имя Павла V. Первым делом для укрепления своих позиций он возвел в сан кардинала своего племянника Шипионе Боргезе. Новоиспеченный кардинал оказался поклонником Караваджо. Он попросил его написать портрет папы. Павел V не произвел на Караваджо впечатления. Но открывалась заманчивая перспектива стать официальным художником двора. И он… перестарался. Как ни странно, но почти все биографы единодушно признают, что портретистом Караваджо не был. По мнению критиков, ему не удавалось создавать «похожие» портреты. В этой связи вспоминается случай с Микеланджело Буонарроти, когда он работал над скульптурным портретом только что усопшего герцога Джулиана для капеллы Медичи. Один из родственников обратил внимание скульптора на то, что герцог «непохож». Маэстро ответил: «А кого это будет интересовать через 500 лет?!» На портрете кисти Караваджо Павел V увидел себя как в зеркале. Одутловатое лицо, брезгливое выражение, глаза-щелочки…Неприятный портрет неприятного человека. Потом Караваджо будет долго корить себя за эту неудачу. Ему будет стыдно и перед папой, и перед Боргезе, которого он подвел, тем более что Павел V не преминул отомстить. С этого момента и начинается трагедия Караваджо. На одной из площадок для игры в мяч на Кампо-Марцио судьба снова свела его с молодым головорезом Рануччо Томассони. Во время игры между участниками возник спор. Слово за слово дело дошло до шпаг. В результате Томассони остался лежать на земле, а Караваджо, раненного в голову, друзья увели домой. Свидетели утверждают, что Караваджо виновен не был. Томассони дразнил его, оскорбляя Лену. Наутро в листке «аввизи» появилось сообщение о смерти Рануччо Томассони. Вдова и родственники призывали к кровавой вендетте. Папа вынес смертный приговор и объявил Караваджо вне закона. Художнику пришлось бежать… Неаполитанский период Он укрылся в родовом имении Колонна в Пальяно, в 50 километрах от Рима. Жить там было опасно: за информацию об объявленном вне закона обещали хорошее вознаграждение. Клан Колонна стал готовить его к отъезду в Неаполь. Живя, как затравленный зверь, Караваджо не переставал корить себя за содеянное. Несмотря на свой буйный нрав и разгульный образ жизни, ему претило убийство. Итогом его страданий стала картина «Давид с головой Голиафа». В течение всей жизни он будет возвращаться к этой теме. Отрубленная голова Голиафа напоминает черты лица Караваджо…
«Давид с головой Голиафа» Источник: Wikimedia Commons Он сам вынес себе смертный приговор и казнил себя. Он не убийца, говорит картина, он жертва собственных страстей и пороков и кается в содеянном. (Правда, есть специалисты, которые сомневаются, что это полотно принадлежит художнику.) В этот период написана картина «Коронование терновым венцом». Сам выбор сюжета и его исполнение отражают мучительные раздумья художника о собственной жизни. Данных о пребывании Караваджо в Неаполе немного. Он ведет замкнутый образ жизни. Благодаря поддержке и защите клана Колонна Караваджо получил ряд интересных заказов. Самый крупный из них — «Семь деяний милосердия».
«Семь деяний милосердия» Источник: Wikimedia Commons Работа произвела сильное впечатление на заказчиков. Они поклялись, что ни за какие деньги творение не покинет алтарь церкви Пио Монте делла Мизерикордия, также был наложен строжайший запрет на ее копирование. И правда, полотно никогда не покидало своего места, даже тогда, когда в Риме по указу свыше выносили из церквей работы Караваджо. На полотне молодая неаполитанка из сострадания старается спасти от голодной смерти старого узника. Позднее Рубенс повторит этот сюжет в картине «Отцелюбие римлянки». Многофигурное полотно включает в себя 16 персонажей. Голод и болезни были бичом Неаполя, поэтому типажи находились быстро. Память о Лене навеяла изображение Богоматери с Младенцем. Критики считают, что Младенец — одно из лучших изображений Христа. Может быть, рисуя головку ребенка, Караваджо вспоминал, какое чувство охватило его, когда Лена сообщила ему о своей беременности… Второй заказ — «Распятие апостола Андрея» — должен был стать гимном католицизму, таким, чтобы каждый верующий, взглянув на картину, проникся истиной. Перед Караваджо снова открылась возможность заручиться высочайшим покровительством — заказчиком выступил вице-король Хуан Альфонсо. Картина вице-короля разочаровала. Где героическая гибель апостола во имя веры? Но ее все-таки выставили в дни поминовения апостола в соборе Амальфи. И того, что там произошло, не ожидал никто. В отличие от высокопоставленных ценителей искусства огромные массы верующих увидели в образе апостола-мученика своего защитника от бед и произвола испанцев. Вместо торжеств начались народные волнения, которые пришлось подавлять силой. С наступлением ночи провинившуюся картину перепуганные власти тайно вывезли из города.
«Распятие апостола Андрея» Источник: Wikimedia Commons Но шумный успех в Неаполе не мог заглушить чувств Караваджо. Его душа осталась в Риме. Кто-то подсказал ему, что неплохо бы поехать на Мальту. Магистр Мальтийского ордена имеет влияние на папу. И если Караваджо произведут в рыцари, папа сменит гнев на милость. Подумав немного, художник стал собираться в дорогу. Узник Мальтийского ордена Магистр ордена отнесся к Караваджо благожелательно. А когда художник написал его портрет в новом рыцарском облачении с жезлом в руке, он осыпал его подарками, в числе которых были два раба, и дружескими заверениями. Рабам Караваджо, которому всегда претило рабство, тут же дал вольную. А вот на дружеское отношение Алофа де Виньякура он очень рассчитывал. И действительно, 14 июля 1608 года, ровно через год после его появления на острове, художник был удостоен звания кавалера Мальтийского ордена. Воодушевленный, в надежде на прощение папы он создал на Мальте по заказу того же де Виньякура очередное монументальное полотно «Усекновение главы Иоанна Крестителя» — нынешнюю гордость Оратории Сан-Джованни (Валлетта).
«Усекновение главы Иоанна Крестителя» Источник: Wikimedia Commons Но вестей из Рима все не было. Караваджо овладела хандра. Изнывая от жары, он слонялся по острову, и красота южной экзотики казалось ему жуткой. Неожиданно объявился его старый друг и помощник Марио. Они расстались давно, еще во времена службы у кардинала дель Монте. Марио женился и покинул своего друга. Теперь его молодая жена умерла, он женился на другой, его обвинили в двоеженстве и вынудили скрываться. Несмотря на то что многие дворцы были переполнены наложницами, двоеженство каралось строго. Караваджо был рад другу, тем более что в последнее время он стал замечать за собой слежку. То ли это был след ненависти семейства Томассони, то ли завистники его славы плели заговоры, или мальтийским рыцарям не нравился их новый брат…Как-то компания подвыпивших молодых рыцарей затеяла с ним ссору из-за того, что он неправильно дал вольную чернокожим. Разговор велся на повышенных тонах, и высунувшийся из окна своего дома член суда чести попытался урезонить ссорившихся. Оскорбленные рыцари ворвались в его дом и избили. Почему-то уважаемый всеми потерпевший назвал лишь одно имя — Микеланджело Меризи. И прямо с торжественного освящения картины Караваджо отправили в форт Святого Ангела. Еще во время работы в мастерской Чезари д’Арпино Караваджо видел альбом с зарисовками тюрьмы и зловещей пещеры «гува», сделанными на Мальте. Никому из узников не удавалось выбраться оттуда на волю. В этот каменный мешок — конусную пещеру четырехметровой глубины, открытую солнцу и дождям, — и поместили художника. Почему суд послушал «оскорбленных рыцарей» и присудил такое страшное наказание, непонятно. «Гува» обычно предназначалась для смертников. Но утром следующего дня случилось невероятное. Надзиратели доложили, что пещера пуста… Это еще одна из загадок судьбы Караваджо. Было произведено тщательное расследование, опросили всех, кто близко знал художника. Наиболее вероятным предположением может быть содействие Марио Миннити. Исчезнувшего Караваджо с позором изгнали из Мальтийского ордена. Удивительно, что это громкое дело не попало в архивы ордена. Также непонятно, что вменялось в вину художнику. По всей видимости, в этой истории слишком много личного. Караваджо объявился в Сицилии. Теперь к постоянному страху разыскиваемого законом преступника добавилось еще и явное преследование неизвестных личностей. Знал ли сам Караваджо, кто они были? Многие его поступки вызывали вражду и неприязнь. А его слава только усиливала зависть и ненависть. Скорее всего, он сам терялся в догадках, и от этого образ невидимого врага вызывал в нем болезненную подозрительность, граничащую с психическим расстройством. Вряд ли его страшил открытый поединок. Но столкновение могло обернуться еще одним убийством, и тогда помилование и возвращение в Рим стали бы абсолютно невозможными. Страх и неизвестность гнали его из одного города в другой. Он пытался работать. Один из заказчиков писал, что первая из трех картин — «Христос, несущий крест» — удалась на славу. Получить две другие он не надеялся, так как художник «явно не в себе». Но Караваджо удается создать еще несколько шедевров. Чувствуя, что возле него крутятся подозрительные личности, художник спешно уезжает из Сицилии в Неаполь. Однако преследователи едут за ним. В «аввизи» 24 октября 1609 года появляется сообщение об убийстве художника. Известно, что вечером около трактира Караваджо подвергся нападению троих неизвестных, но он чудом остался жив. Его могло бы снова спасти заступничество маркизы Колонна, которая как раз приехала в Неаполь. Но Караваджо не посмел просить ее помощи. Она, разумеется, была наслышана о происшествии, но терпение ее кончилось. Она так часто помогала ему во всех его злоключениях, и это, по ее мнению, ни к чему не привело. Она видела в нем лишь сына знакомых, друга детства ее детей, о масштабах таланта Караваджо Констанция Колонна не догадывалась. И все же зиму он провел во дворце ее молодого племянника Луиджи Карафа. Здесь он написал «Саломею с головой Иоанна Крестителя» в качестве покаянного дара для магистра де Виньякура и «Мученичество святой Урсулы».
«Мученичество святой Урсулы» Источник: Wikimedia Commons Тем временем из Рима приходит весть о согласии папы на помилование. Караваджо начинает лихорадочно собираться в дорогу. С того дня, как он отплыл на нанятой фелюге из Неаполя, каждый шаг его покрыт тайной. Сохранилась переписка папского нунция Джентиле с кардиналом Боргезе. Из нее следует, что в пути Караваджо высадили на берег в крепости Пало, якобы для проверки документов. Ему удалось откупиться, но фелюга, не дождавшись его, уплыла обратно в Неаполь. Что заставило его отправиться в занятый испанским гарнизоном рыбацкий городок Порто-Эрколе, когда от Пало было рукой подать до Рима? Каким образом ему удалось пробраться пешком по заболоченной местности, рассаднику малярии, на побережье? Да и был ли он в Порто-Эрколе вообще? Существует еще ничем не подкрепленная версия о смерти художника от малярии. Можно как угодно воссоздавать хронологию событий. Официального расследования не проводилось. Караваджо, за которым закрепилась дурная слава, был неинтересен властям. А «караваджизм» как течение просуществовал до 1630 года, породив множество последователей. Но, несмотря на забвение, художественные идеи Караваджо были восприняты почти всеми выдающимися художниками. И нынешнее запоздалое мировое признание — не что иное, как восстановленная связь времен. Материал опубликован в журнале «Вокруг света» № 11, ноябрь 2009, частично обновлен в июле 2022 Автор текста:Валерия Елисеева Продолжу. | |
Ренессанс на Руси Короткая справка из Вики: "Ересь жидовствующих» (иначе — «новгородско-московская ересь») — идейное течение, охватившее часть русского общества в конце XV века, в основном Новгорода и Москвы. Как следует из названия ереси, предполагается, что в мировоззрении или религиозной практике адептов присутствовали элементы иудаизма. Возможно, включая непризнание божественной природы Иисуса Христа и отрицание связанных с этим догматов, а также следование некоторым обрядовым предписаниям иудаизма." Из книги "Просветитель" преподобного Иосифа Волоцкого, непримиримого борца за чистоту православия: «В то время жил в городе Киеве жид по имени Схария, и был он орудием диавола — был он обучен всякому злодейскому изобретению: чародейству и чернокнижию, звездочётству и астрологии». "Первыми его прозелитами стали новгородские попы Алексей и Денис. После того как в 1480 году Алексей и Денис были взяты великим князем в Москву, ересь распространилась и при дворе князя. В круг еретиков был вовлечён и влиятельный посольский дьяк Фёдор Курицын, ставший фактическим главой московской ветви." Интересно, что эта ересь довольно быстро была искоренена, и при этом никто из адептов не был казнён. Их объявили "вольнодумцами", а за инакомыслие на Святой Руси дыба не полагалась, в отличие от "цивилизованного" Запада. Очень хорошо эти события описываются в книге Владислава Анатольевича Бахревского " Преподобный Иосиф Волоцкий. Судьба и время". Кстати оформил книгу ваш покорный слуга (обложка, иллюстрации). https://zyorna.ru/catalog/item/prepodobnyj-iosif-volockij-sudba-i-vremya-16644 А теперь вспомним иконописцев Андрея Рублёва, Феофана Грека, Даниила Чёрного, Алипия Печерского, Алекса Петрова, Дионисия, первопечатника Ивана Фёдорова, зодчих Барму и Постника Яковлева, путешественника Афанасия Никитина, полководца Воротынского Михаила Ивановича, атамана Ермака Тимофеевича, прп. Сергия Радонежского с учениками и собеседниками: прп. Дмитрием Прилуцким, прп.Кириллом Белозерским, преподобного Ферапонта, прп. Евфимия Суздальского, прп. Стефана Махрищского, свт. Алексия Московского, свт. Стефана Пермского, прп. Мефодия Пешношского, прп. Авраамия Галицкого, прп. Павла Обнорского, прп. Сергия Нуромского, прп. Сильвестра Обнорского, преподобных Андроника и Савву, свт. Фёдора - архиепископа Ростовского, прп. Афанасия Высоцкого, прп. Романа Киржачского, преподобных Леонтия и Савву Стромынских, преподобных Феодосия и Афанасия, прп. Ксенофонта Тутанского, прп. Ферапонта Боровенского, прп. Савву Сторожевского, прп. Иакова Железноборского, прп. Никиту Костромского, прп. Григория Голутвинского. Вот каких людей рождала земля русская. По каким законам жили наши предки в средние века? Конечно же христианским. Книга "Домострой" и само это понятие появится век спустя, но предтечей этого свода нравственных правил был "Измарагд".
Из Вики: "Измара́гд» или «Исмара́гд» (от др.-греч. σμάραγδος — смарагд, изумруд) — древнерусский сборник поучений устойчивого состава. Предназначался для домашнего и келейного чтения. Большую часть статей составляют произведения на тему христианской морали." Это вам не Рабле! Чистота и девственность считались на Руси нормой. Всякие "лучи света в тёмном царстве", всякие наркоманки анны каренины ой, как не приветствовались, я уже не говорю об откровенном богохульстве. Кстати о богохульстве, о истории театра расскажу чуть позже. Продолжу. | |
Ренессанс Заключение. В 1991 году, в незабвенном августе расписывал фреску в кабинете одного президента большой частной компании. Этот кабинет был обставлен антикварной мебелью в стиле высокого Возрождения. Сюжет фрески напоминал итальянских мастеров. Неожиданно к нему приехали очень важные гости. Поскольку мы были в приятельских отношениях мой заказчик не посмел попросить меня выйти. И вот тут я услышал такое, о чем даже сегодня аналитики путча ещё не говорят. Хорошая тема для мемуаров. Лет на 50 ещё засекречу. С тех пор, когда вижу мебель эпохи Возрождения, вспоминаю эти тайны мадридского двора. Принято выделять четыре этапа итальянского Возрождения:
Складывающийся новый архитектурный стиль получался, подобно древнеримскому, весьма эклектичным, а его формальные элементы были явно заимствованы из арсенала форм греко-римских ордеров. Спокойные горизонтальные членения форм зданий новой архитектуры противопоставляются теперь устремленным ввысь линиям готики. Кровли становятся плоскими; вместо башен и шпилей часто появляются купола, барабаны, паруса, сдвоенные ордера и др. Вернувшись к античному стилю, архитектура Возрождения подчинилась определённым правилам: регулярности, симметрии, сомасштабности человеку, стремлению к спокойным, уравновешенным пропорциям в рамках строго линейных композиций. Например, обеспечиваются регулярность ритма оконных и дверных проёмов и их обязательное расположение на одном уровне и т.п. Мерой гармоничности форм служит правило золотого сечения. Типичные формы фасадов итальянских палаццо
Монументальные интерьеры дворцов отличались богатством своего декоративного убранства, правда, это не были копии или имитации настоящих древнеримских интерьеров, т.к. зодчие Возрождения имели представление об интерьерах жилых домов римлян лишь по описаниям Витрувия. Тем не менее, лучшие интерьеры дворцов этой эпохи обладали пропорциональным совершенством, элементы которого имели модульную взаимосвязь. Интерьеры
Простые и ясные интерьеры Ф. Брунеллески (1377–1446 гг.), например, в капелле Пацци (1430–1461 гг.) в церкви Санта-Кроче во Флоренции, оказали глубокое воздействие на последующее понимание внутреннего пространства. Для его интерьеров характерен контраст белых или слабо тонированных оштукатуренных стен с гладкими или рельефными архитектурными членениями из серого камня. Обычно в таких дворцах наиболее чётко выделялся вестибюль (для приёма посетителей), библиотека (что не удивительно в век начала книгопечатания и широкого распространения книг), кабинет-студиоло и галереи. Столовые были, в общем, не известны. Обеденные столы, которые можно было легко сложить или разложить, ставились в лоджиях, составлявших важную часть как городского, так и загородного дома. Для интерьеров эпохи Возрождения характерно (по примеру Древнего Рима) стремление как бы увеличить реальное пространство помещений с помощью фресковых росписей, станковых картин или даже скульптуры. Потолки стали делать под античность. Они выполнялись плоскими или на падугах, многие из которых были покрыты штукатуркой или расписаны фресками. Характерным элементом архитектурно-декоративного оформления потолков стал кессон. В экстерьерах и интерьерах зданий увеличилась ширина карнизов, которые украшались античными мотивами самого разного вида. Простое дощатое покрытие стен сменяется деревянными панелями с профилированными деталями рам, колоннами, пилястрами и резными филёнками. В эту эпоху камины стали занимать в интерьерах весьма значительное по важности место, чего не наблюдалось даже в средневековье за исключением каминов в парадных залах. В комнатах той поры располагалось только самое необходимое. Различные вещи, утварь, а также немногочисленную мебель можно было перемещать в пределах комнаты или убрать вовсе – облик интерьера при этом не изменялся. Даже много позже предметы обстановки богатых домов и палаццо были всё ещё немногочисленны и, большей частью, размещались вдоль стен просторных помещений. Вся красота интерьеров дворцов обеспечивалась, в основном, декором пола, стен, потолка и с помощью некоторых мебельных объектов, которые служили надлежащим фоном для пышных костюмов того времени. Помимо ковров (украшавших лишь самые богатые интерьеры), расписных или кожаных занавесей, а также шерстяных или хлопковых покрывал в большей части комнат практически не было постоянных предметов обстановки. Описание апартаментов палаццо Фоскари, специально подготовленных для короля Франции Генриха III на время его визита в Венецию в 1574 г., показывает, что в его комнатах было весьма мало мебели. В спальне были всего лишь три мебельных объекта: позолоченная кровать, покрытая алым шёлком, позолоченное кресло под золотым балдахином и стол из чёрного мрамора, который был покрыт скатертью зелёного бархата. Общая характеристика итальянской мебели эпохи Возрождения – раннего и позднего этапов его развития – ясность, чёткость и логичность построения формы любого мебельного объекта, использование в декоре большого количества архитектурных элементов, заимствование античных мотивов в орнаментике. Композиция строится на красоте точно выверенных пропорций, ясности и чистоте силуэтов формы изделий. Широко используются, помимо архитектурных элементов, листья аканта, мотив канделябра, гермы, купидоны. Колонны и пилястры нередко сплошь покрываются растительным или геометрическим орнаментом. В этот период вводится в обиход и целый ряд новых декоративных элементов, в том числе т.н. гротески, т.е. переработанные композиции, полученные на основе орнаментов, обнаруженных на стенных росписях при раскопках древних римских зданий и склепов, называвшихся там гротами. Гротески – это очень причудливые орнаментальные композиции в виде вплетённых во вьющиеся растительные формы фигур животных, фантастических существ, птиц, человеческих голов, цветов и др. Широко использовались также такие орнаментальные формы как арабески, плетёнки, фигуры полулюдей-полуживотных. Мебельное искусство в это время достигает весьма высокого профессионального уровня. Цветовой строй мебели Возрождения отличается сдержанностью. Как правило, показывается красота естественного цвета и текстуры древесины. Изобретение станка для выработки тонких листов фанеры по своей значимости для развития мебельного производства имело такое же важное значение, как повторное изобретение пилы (начало XIV в.) для получения уже не рубленных топором, а пиленых досок. Оно открыло путь для широкого распространения техники фанерования, а вместе с ней и приёма украшения мебели интарсией и маркетри. На раннем этапе техника инкрустации деревом была сравнительно простой и применялась, главным образом, для украшения церковной мебели. Мебель
Изображения были почти монохромными, без оттенков. Наиболее распространенные декоративные мотивы – вьющийся стебель, акантовый лист, музыкальный инструмент, городской пейзаж, натюрморт. Нередко элементы набора левой и правой стороны того или иного предмета мебели находились в позитивно-негативном отношении друг к другу. Сущность этого приема декорировки состоит в следующем: из двух наложенных друг на друга по-разному окрашенных листов фанеры выпиливались фрагменты узора. В последующем, при наклеивании на основу, полученные фрагменты узора, одинаковые по рисунку, но разные по цвету, менялись местами. Круг приёмов и мотивов украшения постепенно ширится: появляются фигуральные решения, гротеск, орнамент в виде арабески, в обиход вводится окрашенное дерево, осваивается приём тонирования с помощью раскалённого песка. Мебель Высокого и Позднего Возрождения обильно декорируется, ее классические формы приобретают большее разнообразие. В качестве украшений используются архитектурные шаблоны: целые антаблементы, фризы, карнизы, цоколи, кронштейны, отстоящие от фона колонны, полуколонны, пилястры с базами и капителями. Стволы колонн или пилястр покрываются каннелюрами или резным плоским орнаментом. Кроме того используются различные маски, львиные лапы, бараньи и львиные головы, гермы, женские головки, атланты, кариатиды, волюты, розетки, триглифы, растительный и геометрический орнамент, орнамент гротеск, маскароны и многие другие декоративные элементы. Следует подчеркнуть, что развитие искусства итальянского интерьера XVI в. шло в сторону большей сдержанности и классичности всех элементов. Постепенно снижается значение орнамента, который используется, большей частью, в декоре элементов потолка. Однако сравнительно большую роль сохраняет орнамент в художественном оформлении мебели, на форму и декор которой оказывают сильное влияние найденные в этот период в Риме подлинные памятники античной эпохи. В начале века были раскопаны помещения Золотого дома Нерона в Риме с их изысканным и тонким орнаментом. Участвуя в раскопках древних зданий в Риме и склепов, которые получили название гротов, в 1516–1518 гг., Рафаэль, увидев ранее неизвестные ему античные орнаментальные композиции, ввел их в роспись стен Лоджий в Ватикане. Такой орнамент, где сложные архитектурные композиции переплетались с завитками растительного орнамента, цветами и акантами, строго упорядоченные построения элементов которого парадоксальным образом включали в себя целый мир фантастических существ – человеческих полуфигур или полулюдей-полуживотных, как бы вырастающих из чашечки цветка, и другие сложные построения, стал называться гротеском. Если гротеск строился симметрично относительно центральной вертикальной многоярусной оси, получался так называемый канделябр. Такой орнамент, а также маскароны (декоративные маски в виде фантастических изображений головы животного или человеческого лица), сфинксы, тритоны, крылатые амуры стали излюбленными декоративными мотивами в мебели того времени. В XVI в. в мебели начинает широко применяться маркетри из разноцветного дерева разных пород. Большую популярность к концу XV в. приобретают изображения на лицевых и внутренних (наиболее часто) сторонах филёнок шкафов и кабинетов, а также на стенных деревянных панелях, перспективных видов архитектурных сооружений, многолюдных процессий, различных тематических картин, выполненных в технике интарсии. Со второй половины XVI в. в моду входят гермы, оканчивающиеся женскими головками, пилястры с плоскими консолями, сильно профилированные карнизы и цоколи, резные ножки. На филёнках, обрамленных профилированными рамками, помещают круглые или овальные розетки, выше карнизов устраивают резные фронтоны. Широкое распространение получает орнамент из завитков на подставках для бюстов и на скамейках. Конструктивные сопряжения и сочленения элементов мебельных объектов иногда маскируются декоративными элементами, покрываются позолотой и раскрашиваются. К XVI в. резные стенки сундуков-кассоне стали обрабатываться барельефами, а затем и горельефами, трактующими мифологические сцены. К этому времени мебельные мастера Возрождения окончательно освободились от плоскостной трактовки своих произведений. Теперь резной скульптурный барельеф передней стенки сундука окружается богато профилированной рамкой со множеством тяг, с нитями жемчужника, рядами иоников, аканта, меандра или волны и другими декоративными мотивами античности. Часто угловые стойки таких ёмкостей трактуются как полуфигуры атлантов, зрительно поддерживающих крышку сундука. Иногда здесь делалась опорная консоль в форме большого акантового листа. Полоса из завитков и листьев аканта становится распространенным приемом украшения, особенно корпусной мебели. Отличительной особенностью флорентийских сундуков-кассоне в конце XV–начале XVI в. является ясно читаемая связь их формы с орнаментом. Мастер-мебельщик не скрывает конструкцию объекта, добиваясь гармонических пропорций его формы и отдельных ее элементов. В шкафах этого времени, как уже выше отмечалось, в большом количестве применяют архитектурные шаблоны: пилястры, карнизы, фронтоны, консоли, профили и др. Такой своеобразный тип шкафа как шкаф-бюро имеет в верхней части небольшой шкаф с двумя двойными створками дверец, с выдвижными ящиками в подстолье, которое опирается по бокам на два хорошо профилированных щита. В Позднее Возрождение появляются так называемые шкафы-кабинеты, которые получили потом распространение по всем странам Европы. Такой шкаф, поднятый над полом и поставленный на подставку или на ряд ножек, стянутых проногами, включал в себя три или пять рядов маленьких ящичков, наружная сторона которых была богато инкрустирована. Небольшие глухие дверцы, которые закрывали весь набор этих ящиков, обычно украшались маркетри с перспективными видами архитектурных построек. Такой шкаф служил для хранения деловых бумаг, денег, драгоценностей. Иногда передняя стенка кабинета откидывалась и превращалась в столешницу. Это был прообраз современного секретера.
В это время были широко распространены стулья и кресла нескольких типов. Например, существовали стулья с четырьмя прямыми ножками квадратного сечения. Продолжение задних ножек у таких стульев служит стойками для высокой прямой спинки, которые заканчиваются вверху резными декоративными элементами – акантами, львиными масками и др. Между передними ножками вставлялись две или три плоские скрепляющие их панели-проножки, покрытые богатой резьбой с узорно выпиленными краями. Прямоугольная доска сиденья, вытянутого по ширине, украшалась резным подзором. Со второй половины XVI в. появляются кресла, подобные по конструкции таким стульям, но с добавлением хорошо декорированных локотников, передние края которых часто заканчиваются волютами. Передние ножки, продолженные вверх над сиденьем, служат опорой брускам локотников. В эту эпоху стул, бывший сотни лет жестким, сделался мягким. Раньше для удобства сидения подкладывались тюфячок или подушка, теперь мягкие элементы входят в конструкцию мебельного объекта. Главным декоративным элементом в таком варианте становятся даже не резьба, позолота или роспись, а обивка бархатом, парчой или тисненой кожей с крупными латунными шляпками гвоздей. Появляется отделка различными кистями и бахромой. Подобным образом декорируются и кресла. Другой распространенной формой мебели для сидения продолжают оставаться курульные кресла. Появляется новый тип так называемых пластинчатых (или дощатых) стульев. Эти стулья состоят, в основном, из трех досок, из которых более длинная служит задними ножками и спинкой, более короткая – передними ножками. Маленькая горизонтальная доска образует сиденье, которое обычно имеет восьмигранную форму. Доски спинки и ножек могут иметь небольшой наклон. В нижней части доски ножек скрепляются специальным бруском. Спинка и лицевые плоскости опорных частей досок украшаются обильной рельефной резьбой. Края доски сиденья и нижняя кромка короба сиденья профилируются. Продолжает изготавливаться и широко применяться в качестве мебели для сидения и ёмкостей касса-панка, украшенная высокой и весьма сложной резьбой. Столы имеют массивные формы и обильно декорированы. Вместо ножек делаются два боковых опорных щита, которые соединяются бруском или доской с фигурными вырезами. Эти боковые опорные щиты украшаются резным орнаментом, барельефами в виде львиных масок, дельфинов, бараньих голов и пр. Коробка подстолья декорируется триглифами, розетками и растительным орнаментом. Края столешницы обычно профилируются архитектурными шаблонами или украшаются резным орнаментом. С середины XVI в. центр мебельного производства постепенно стал перемещаться в Рим, где изготавливают весьма обильно декорированные резными фигурами свадебные сундуки-кассоне, письменные бюро-кабинеты, столы прямоугольной формы с массивными подстольями. В это время ещё больше увлекаются античными раскопками и перенесением отдельных элементов древнеримского искусства (декора найденных в раскопках мраморных саркофагов, жертвенников, канделябров и др.) на современную римскую мебель. Французский ренессансный стиль принято делить по времени правления французских королей. Правление Людовика XII (1498–1515 гг.) характеризует стиль, переходный от готики к Ренессансу. К Раннему Ренессансу относят стиль Франциска I (1515–1547 гг.), к расцвету – стиль Генриха II (1547–1559 гг.). С именем Генриха IV (1589–1610 гг.) связывают Поздний французский Ренессанс.
В переходном стиле продолжают доминировать формы более привычной для французов пламенеющей готики, а мотивы Возрождения затрагивают лишь орнаментальный строй декора интерьеров. Во многих случаях декоративные элементы, орнамент, архитектурные шаблоны, характерные для Возрождения, просто накладывались на позднеготические формы, что приводило к весьма необычным сочетаниям. Поэтому ренессансный стиль во Франции значительно менее четко выражен, чем в Италии. Первые реальные успехи французского Ренессанса относятся ко времени Франциска I – к тому времени, когда в Италии уже нарождался маньеризм. Влияние итальянского искусства Возрождения на средневековую Францию было весьма значительным. Ряд войн между Италией и Францией в конце XV–начале XVI в. познакомил французов с новым и необычным для них искусством Италии. Много произведений искусства было вывезено из Италии во Францию, куда переселились и многие итальянские художники – специалисты в различных областях искусства. Сам король Франциск I весьма увлекался итальянским искусством. Его идеалом было все искусство итальянского Возрождения. В это время строятся замки в Блуа и Шамборе. Например, знаменитая лестничная башня в замке Блуа, со своей спиралевидной каменной лестницей, представляет собой образец французского Ренессанса. Те же принципы определяют и вид замка Шамбор, построенного по плану средневековой крепости со рвом, над которым возвышается мощный квадратный донжон с четырьмя угловыми башнями под коническими крышами. Зодчим замка был итальянец по имени Доменико да Кортона. Формы замка Шамбор являются уникальным примером французской архитектуры готического стиля, дополненного классическими элементами. Кроме того, Франциск I приказал построить многочисленные дворцы в центральной Франции – в провинции Иль-де-Франс, в частности, Мадридский замок и Загородный замок Фонтенбло (60 км от Парижа), который вместе с пристройками 1528–1540 гг. представляет собой наиболее сохранившийся замковый комплекс Раннего Ренессанса во Франции. Его создатель, Жиль Бретон, спроектировал знаменитую Галерею Франциска I, которая является самым ранним примером такого типа помещения, который позднее пользовался популярностью во Франции и Англии. Его внутреннее оформление было выполнено Джованни Батиста Росса – флорентийским художником. Свое влияние на развитие французской архитектуры оказал и Себасть-яно Серлио, который в 1540 г. прибыл из Венеции в Фонтенбло, где он построил для кардинала Феррары разрушенный сегодня Гранд Ферраре – городской дом (отель), который стал почти на целое столетие французским образцом этого типа здания. Сооружение, давшее начало независимому французскому стилю, связано с именем Пьера Леско, начавшего в 1546 г. строительство для Франциска I квадратного двора Лувра в Париже. Его фасады сильно выступают вперед и богато профилированы сложными оконными наличниками, разнообразными колоннами и пилястрами коринфского и композитного ордеров. Пластическая выразительность облика здания и его интерьеров ещё больше усилены благодаря наличию круглой скульптуры, свободно размещенной в пространстве, и рельефов Жана Гужона. В этом содержалось одно из главных нововведений французской манеры убранства интерьера. Начатое Леско введение скульптуры в интерьер продолжало в течение последующих трёх столетий играть важную роль в его убранстве. Это хорошо заметно, например, по решению многих помещений Версаля. Другим знаменитым архитектором был Филибер Делорм. Между 1547 и 1552 гг. он построил в Нормандии Шато в Ане для Дианы де Пуатье, фаворитки Генриха П. Его талант можно оценить на примере композиции замкового комплекса Ане. Здесь нет замкнутого пространства двора замка, типичного для французской средневековой архитектуры того времени, а использована компоновка в виде каре, при этом передний корпус решен в виде ворот с оградой. Распространение нового ренессансного стиля во Франции шло очень медленно, и традиции готики сохранялись в мебельных объектах весьма долго. В то время, как в Париже и его окрестностях уже много лет подряд выделывалась мебель в стиле Франциска I, в Нормандии, Бретани и других провинциях вплоть до середины XVII в. продолжали делать готические шкафы и сундуки, характерные по своим пропорциям и украшениям для XV в. Стиль Франциска I отличается наплывом итальянского орнамента на французские готические формы. Этот стиль известен тем, что ренессансными пилястрами с каннелюрами, коринфскими капителями, балясовидными опорами, фризами и карнизами в большом количестве декорировались подзднеготические типы мебели, и без того украшенные позднеготическими элементами. Возник эклектичный, но весьма оригинальный прием декорировки. Сундуки, креденцы, шкафы, кресла сохранили свою готическую устремлённость ввысь, но декор был новым. Многоплановость резных украшений придала богатство всем ранее оголенным рёбрам и плоскостям мебели. Косяки, филёнки, карнизы, фронтоны заполнены элементами различных орнаментов. Архитектурный декор
Часто встречаются архитектурные шаблоны: пилястры, капители, смелые выступы профилей, а также целые перспективные сцены, головы в профиль на длинных шеях, заключенные в венки, развивающиеся ленты и др., исполненные слабой резьбой. Всё это напоминает мотивы северного итальянского Возрождения. Для стиля Франциска I характерны точёные колонки в виде баляс или узоры канделябра с пламенем в верхней части, которые располагаются между филёнками по оси пилястр. Кроме того, на мебельных объектах часто выполнялась королевская монограмма-шифр в виде красиво переплетённых F и I или эмблема Саламандра в огне, увенчанная короной. В этот период полностью освоена рамочно-филёночная система вязки дерева, что позволяет придавать мебельным объектам более изящные пропорции, жёсткость и прочность всей конструкции. Вместо дуба основным материалом мебели становится ореховое дерево. Характерный тип мебели для сидения этого стиля – дощатые кресла, которые делаются с высокими спинками, поднимающимся сиденьем с ёмкостью внутри и двойными филенками на передней стенке. Их форма со скругленными углами ещё сохраняет характерные пропорции готики, но резной орнамент, украшавший их ранее, уже отсутствует. Особенно активно декорируются резьбой невысокого рельефа пилястры спинки и ее верхний карниз. На высокой спинке, выше головы сидящего, вырезается герб владельца кресла, обрамленный тонким венком. В более поздний период резьба становится более пышной и выполняется в высоком рельефе. Локотники делаются сквозными с грузными точёными подставками в виде баляс. Со второй половины XVI в. начинает широко применяться итальянский тип Х-образного табурета с массивными дугами опор. Декор сундуков (ларей), особенно их лицевых граней, делается весьма изысканным со строго симметричным расположением орнаментации из канделябров, тонких веток аканта, с выходящими из них фигурами и головками, массивных венков, висящих на тоненьких ленточках, медальонов и др. Готический поставец-креденца принимает название дрессуар, но по своей конструкции представляет все тот же сундук, приподнятый на высоких ножках над нижней цокольной частью. Дрессуар служил для хранения сосудов, столовых приборов и ценных вещей. Его форма по-прежнему остается шестигранной, но передняя грань делается более широкой за счёт боковых. В давно устоявшуюся композицию введена тектоническая целесообразность, подчеркиваются горизонтальные профили, с помощью которых верхняя часть корпуса дрессуара делится на два яруса. Передние опоры заменяются брусками или хорошо профилированными точеными столбиками, но остается опускающаяся донизу дощатая задняя стенка. Некоторое время спустя дрессуар приобрел прямоугольную форму, был расчленен пилястрами или колонками на отдельные филенки и поставлен на ножки-стойки. Филенки обрабатываются резьбой низкого рельефа с применением особой разновидности гротескного орнамента, т.н. канделябра, о котором ранее уже шла речь. Он имеет вертикальный стержень с симметрично расположенными направо и налево завитками и действительно напоминает канделябр, у которого рожки для свечей расположены поярусно. В центре гладкой гротескной композиции обычно помещается резной медальон с профильным изображением мужской или женской головы, исполненный также в низком рельефе. В изготовлении столов повторяются приемы и мотивы украшений, которые пришли из Италии. Боковые опорные щиты делаются с проемами, как и в эпоху готики, но эти проемы теперь имеют форму античной арки с каннелированными колоннами по сторонам. Эти боковые опорные элементы опираются на массивное основание с резными лежащими львами вместо ножек, на котором стоит ряд точеных балясин, подпирающих подстолье. Само подстолье украшено по углам львиными масками с висящими под ними точеными шишками. Делаются и более простые столы, столешницы которых украшаются провинции Иль-де-Франс. В Бургундии работал архитектор Г. Самбен, влияние которого распространялось и на город Лион. Его творчество ярко выражало своеобразный характер искусства Бургундии этой эпохи. Большую роль в распространении и утверждении стиля Генриха II в этой части Франции сыграли также рисунки (эскизы) мебели в гравюрах архитектора Жака Дюсерсо. Шкафы строятся согласно архитектурным принципам, принятым в то время: нижний корпус более массивен, верхний – более строен и несколько отступает назад. Во внешней форме выявляются опорные, несущие части мебельного объекта. Обильно декорируются резным орнаментом и тягами профили рамок на филёнках, которые в свою очередь украшаются гротескным орнаментом, выполненным в низком рельефе. Три кариатиды или атланта, выполненные в виде герм и поставленные по краям и между створок как своеобразные опоры, поддерживают карниз. Эти изысканные резные по дереву украшения – подлинные образцы скульптурного искусства. Здесь ореховое дерево, как конструкционный и декоративный материал, использовано на максимуме его возможностей. Своеобразна мебель, которая делалась в Центральной Франции – в провинции Иль-де-Франс. Шкафы Центральной Франции, в частности, парижские, делаются также двухкорпусными и двухстворчатыми. Эти шкафы имеют меньший объём и отличаются весьма гармоничными и лёгкими пропорциями. Лицевая их сторона строится как архитектурное сооружение, как фасад здания – с колоннами, фризом и фронтоном. Лицевая поверхность шкафа и выдвижные ящики над нижним корпусом иногда декорируются прямоугольными вставками из мрамора, на филенках часто делаются неглубокие ниши со статуэтками или изящно изогнутыми женскими фигурами, а также фигурами античных божеств и др. Грашин А.А. Краткий курс стилевой эволюции мебели – Москва: Архитектура-С, Точка. | |
Реплика Ещё в сопливом пионерском прошлом частенько писал этюды на кладбище Донского монастыря в Москве. Тогда это был филиал музея архитектуры. Весь задний двор за собором был усыпан останками горельефов с Храма Христа Спасителя. Детали статуй, головы, руки жутко торчали из- под жёлтой осенней листвы. А потом из- под снега. Сегодня их собрали на дальней стене и плюнули. Уникальный памятник разрушается! Спешите показать его своим внукам и рассказать эти истории. Завтра будет поздно. Заодно плюньте на могилу Солженицина. Горельефы Донского монастыряХрам Христа Спасителя был взорван в 1931 году. Оставшуюся после взрыва мраморную крошку сыпали на дорожки в парке Сокольники, бронзовый декор пошел на отделку метро, а белоснежные мраморные горельефы до сих пор хранятся на задворках Донского монастыря. Несколько из них вмонтированы в крепостную стену монашеской обители на восточной стороне. Большая часть горельефов была создана русским скульптором Александром Васильевичем Логановским. Всего здесь шесть мраморных горельефов на библейские и исторические темы, сюжеты для которых были выбраны митрополитом Филаретом (Дроздовым). Ниже мы видим тот же горельеф из бронзы на Храме Христа Спасителя. ( Очередная халтура Церетели). Ниже мы видим тот же горельеф из бронзы на Храме Христа Спасителя. Ниже мы видим тот же горельеф из бронзы на Храме Христа Спасителя. А что-то стоит у дальней стены закрытой части монастыря и ждет своего часа. Фото не мое. Ниже мы видим несколько бронзовых горельефов на Храме Христа Спасителя, которых в Донском монастыре нет. Фотографии бронзовых горельефов не мои.
Фото из открытых источников. | |
ТЕАТР Незатейливые заметки. "Тeaтр прeдстaвляeт сoбoй зрeлищный вид искyсствa, oбъeдиняющий рaзличныe виды твoрчeствa, a имeннo: мyзыкy, вoкaл, хoрeoгрaфию, литeрaтyрy. Тeaтрaльнoe искyсствo игрaeт бoльшyю рoль в жизни чeлoвeкa. Oнo выпoлняeт кaк рaзвлeкaтeльнyю, тaк и рaзвивaющyю фyнкции." Более скучное определение трудно придумать. За этими банальными фразами скрывается целый мир, со своими законами, трагедиями и комедиями, слезами, радостями, изменами и смертями. Связать свою жизнь с театром, это и большое счастье и не менее большое несчастье. Не знаю ни одного человека, который бы не проклинал и одновременно не любил театр. В театр меня впервые повела бабушка. Это был Большой. Ничего кроме золота лож и красного бархата не помню. Не мудрено, мне было почти 6 лет. Потом очень часто музыкальный Станиславского. Бабуля любила оперы, а я декорации, каждому своё. По сцене бегали толстые дяди и тёти и орали, ещё они махали руками на дядьку в чёрном фраке, стоящему к зрителю спиной, а он махал на них. Они мне были не интересны. А вот расписной задник, на фоне которого происходило это безобразие, очень занимал. Как на тряпке можно нарисовать дворцы, сады и горы? И я, маленький мальчик, видел и перспективу, и воздух, и сочные плоды на деревьях. И мне снова очень хотелось в Алупку, в наш маленький инжирный сад. Я глотал нечаянную слюну, и мечтал когда - нибудь нарисовать такой же красивый задник. ТЮЗы не любил. Толстые травести лет под сорок пять тонкими скрипучими голосами пытались подражать 10- летним пацанам. Всё во мне кричало:– НЕ ВЕРЮ! Это потом, повзрослев и поумнев, я узнал о Станиславском. Кстати, мы тут на ЛикБезе недавно обсуждали облик идеального мужчины, так вот Константин Сергеевич Алексеев (Станиславский) с моей точки зрения вполне бы мог соответствовать. Ещё бабуля любила пропустить в буфете во время антракта ледяной водки из хрустальной рюмки со словами: – Ну, давай, Бог! Для тех, кто не читал: Тушинский хомяк "Тушино, каким я его помню" 7. Вот и всё. Любовь к театру и ледяной водочке в антракте, это всё, что мне дала Бабуля. Согласитесь– немало! Когда исполнилось семь, она решила, что свою миссию выполнила и перестала мной интересоваться. Следующая по- настоящему значимая встреча с театром произошла в 8 классе. По большому блату меня стали пускать за кулисы театра на Таганке. Пересмотрел почти все спектакли. И вот, наконец, –Школа- студия МХАТа. Можно было взять контрамарку в любой театр, на любой спектакль. Даже иногда в Большой. Нетрудно посчитать сколько видел постановок, если регулярно в неделю пару раз. За 5 лет около 450. Плюс генеральные репетиции и прогоны. А запомнились единицы. В основном спектакли молодого "Современника". Конечно, как всякий дилетант, вынашивал собственные идеи. Но мир хотел, чтобы круг на сцене крутился по-старому, а рабочие сцены стучали молотками по-стахановски. Режиссёры тупо следовали ремаркам. Написано: " …он стоял на пирсе, обдуваемый всеми ветрами, и огромные волны, разбиваясь, мочились на него брызгами". Вот и подай "режу" пирс из сварного уголка и пятидесятки, волны из 10 мметровой фанеры, которые двигает полупьяный монтировщик, а другой, тоже "под мухой", прыскает из ведра брызги, стоя за ближайшей кулисой. Но и это ещё не всё: раскаты грома очень правдоподобно изображает третий, осмысленно лупя по ржавому листу металла разбитой вдрызг резиновой кувалдой. Продолжать можно бесконечно. Запала хватило оформить 20 спектаклей. Что- то удачно, всякие премии, что-то не очень. Но мечта создать собственную эстетику трансформировалась во многих постановках массовых праздников. Народ всегда хотел "хлеба и зрелищ". Слава Богу у государства хлеб был, а зрелища, после вивисекции на Старой площади, тоже разрешались. Очень долго, лет 10 не меньше проводили Пушкинский фестиваль на Чистых прудах. Вот уж где развернулся. Актёры в костюмах, дамы в кринолинах, с мопсами и породистыми легавыми, полосатые будки и шлагбаумы, кареты –вся эта дореволюционная мишура резко контрастировал с брежневской Москвой. Выставки, сладости, конкурсы и пр. удачно дополняли это действо. Тогда появился термин "атмосферное оформление". Тоже было и в усадьбе Шереметева, в Останкино, и в самом Останкинском театре и не однажды. В парках столицы, на стадионах. Тогда пришла идея "тотального оформления". Это, когда весь город становится объектом оформления. Площади, трамваи, автобусы, крыши, кафе всё, всё и даже люди, обыкновенные прохожие вовлечены в процесс. Сколько удалось под эти праздники сделать хорошего для городов, и в смысле ремонта тоже. Как правило это были деньги сомнительного происхождения, ну хоть послужили на благо общества. Но вернёмся к театру. Пeрвыe yпoминaния o тeaтрaльнoй кyльтyрe вoзникли eщё в Дрeвнeй Грeции. Этo прoизoшлo бoлee двyх тысячeлeтий нaзaд. В тe врeмeнa oснoвнoe прeднaзнaчeниe тeaтрa зaключaлoсь в рaзвлeчeнии пyблики. Зритeли нaблюдaли зa прaздничными сцeнкaми ряжeных aктёрoв. Сoглaснo истoричeским истoчникaм, пeрвыe тeaтрaльныe прeдстaвлeния были пoсвящeны сeрьёзнoмy рeлигиoзнoмy прaздникy — Большие Диoнисиям.
"Большие Дионисии — городской праздник, проводившийся с 25 марта по 1 апреля с трагедиями, комедиями, сатирой; фаллическим шествием, ряжением, маскарадом, дифирамбами, состязанием поэтов и наградами победившим актёрам и поэтам. Завершалось богатым пиршеством за счёт государства." Диoнисий был бoгoм винa, тaк чтo и дeнь y нeгo был сooтвeтствyющий. Люди хoтeли пoвeсeлиться кaк слeдyeт.
Кaк Вы пoняли, тaм былo oчeнь вeсeлo! Порой доходило до непотребства. Замечательное сочетание! Пьянство, разврат и театр. Так что же кроме пьянства занимало народ? "Царь Эдип" Софокла Эта классическая трагедия. "Царь Эдип", отец оставляет его, собственного сына Эдипа, умереть в поле. Вместо того, чтобы умереть, Эдип попадает в другую семью и воспитывается. Находясь в этой семье, Оракул предсказывает Эдипу, что он убьет своего отца и переспит со своей матерью. Несмотря на все его усилия предотвратить это, он делает и то, и другое. О сюжет! От такого не только у Зигмунда Фрейда крыша поедет. "Медея" Еврипида Еврипид - еще один выдающийся драматург Древней Греции, и одним из его лучших произведений была "Медея". Медея была женой Ясона, которого мы знаем из рассказа "Ясон и аргонавты". В начале пьесы Джейсон только что ушел из Медеи к другой женщине. Он пообещал оставить ее в качестве любовницы. Однако Медея не была удовлетворена таким раскладом и замыслила свою месть. Часть удовольствия от этой пьесы заключается в том, чтобы гадать, кто же на самом деле был злодеем в этой истории. Был ли это Ясон за то, что бросил ее, или Медея за то, что замышляла свою месть? Бытовуха, как бы сказали сегодня, с детективом. "Персы" Эсхила Борьба древних греков с персами долгое время занимала умы людей. Софокл написал свою трагедию "Персы" как напоминание об этом времени. В ней Софокл сосредотачивается на Ксерксе, внушавшем страх, лидере Персидской империи, когда он узнает о поражении персов в битве при Саламине. "Антигона" Софокла Антигона - еще одна трагедия, написанная Софоклом. Здесь мы сосредоточимся на Антигоне, которая была дочерью Эдипа и его матери Иокасты. Софокл использует эту историю как способ предостеречь нас от нашей собственной гордыни. В этой истории Антигона становится свидетелем борьбы своих братьев за трон – конфликта, в результате которого в конечном итоге погиб один из них. Меня всегда веселили, когда читал эти греческие пьесы, взаимоотношения героев и хора. Во время действия кроме реплик героев, на сцене постоянно присутствовал хор во главе с корифеем. О, это было зрелищно. Своими речитативами хор не только комментировал происходящее, но и рассказывал, что каждый из них думал, а иногда и спасал или посылал проклятия. Сам по себе феномен настолько органично воспринимался зрителем, настолько точно режиссерски выстраивал сцены, что, пожалуй, был самым главным персонажем. В ХХ веке были попытки возродить традиции эллинского театра. Например, известный французский драматург Жан Ануй написал насколько гениальных пьес: "Медея"; "Антигона"; "Эвридика". Они с большим успехом прошли как в Европе так и в СССР. Продолжу. | |
Театр Незатейливые заметки. "Зaчaтки тeaтрaльнoгo искyсствa пoявились знaчитeльнo рaньшe — дo 8500 г. дo н. э. Пeрвыми yпoминaниями o тeaтрe стaли ритyaльныe прeдстaвлeния: пoсвящeниe в жрeцы или лидeры плeмeни, брaкoсoчeтaниe, пoхoрoны, кoммyникaции с дyхaми. Люди били в бaрaбaны, раскрашивали лица и тaнцeвaли — с этoгo нaчaлoсь стaнoвлeниe артистизма. В тe врeмeнa имeннo oбряды, плaмeнныe тaнцы и ритyaлы являлись своеобразными формами чeлoвeчeских взаимодействий. Эти примитивныe фoрмы были пoпыткaми oсoзнaния людьми oкрyжaющeгo мирa. Ритyaльныe прeдстaвлeния включaли в сeбя тaнцeвaльныe, мyзыкaльныe и вoкaльныe нoмeрa. Нaпримeр, тaнцы являлись oбязaтeльным элeмeнтoм шaмaнских ритyaлoв." Ещё одно откровение, оказывается оккультные камлания тесно связаны с представлениями. Да, ещё наркотики. По этому поводу есть что рассказать. Оформлял спектакль в одном южном городе. Никак не мог понять, почему актёры и не только какие- то вздрюченные. Громкие голоса, жестикуляция. Всё оказалось просто. Конопля. Это замечательное растение росло везде. Марихуану курили все. В театре стоял такой дух, что дышать тяжело. Всё- таки сказывается история создания этого театра, первым применением здания был бордель и кафе -шантан. "Кoгдa и гдe пoявился тeaтр? Кaк глaсит истoрия, пeрвый в мирe тeaтр был oснoвaн в 6 вeкe дo н. э. (примeрнo в 534 гoдy дo нaшeй эры). Тeaтр oснoвaл извeстный aнтичный пoэт Фэспид. В тe врeмeнa прeдстaвлeния был лишь двyх типoв: кoмeдийныe и трaгичeскиe. Извeстнo, чтo грeки oчeнь гoрдились тeм, чтo рaбoтaют в тeaтрe, для них этo былo oчeнь прeстижнo. Oднaкo римлянe, кoтoрыe yвaжaли лишь рaтныe дeлa, нaпрoтив, с oсoбым прeзрeниeм oтнoсились к дaннoмy зaнятию. Им былo дaжe стыднo прoстo прийти нa прeдстaвлeниe. Прeдстaвитeльницы прeкрaснoгo пoлa нe имeли прaвa смoтрeть прeдстaвлeния. A выстyпaли нa сцeнe мyжчины. Истoрия вoзникнoвeния тeaтрa сoвпaлa с плoдoтвoрным пeриoдoм aнтичнoсти, кoгдa были зaлoжeны oснoвы филoсoфии, мaтeмaтики, литeрaтyры и дрyгих нayчных сфeр." В современном театре актёров называют "сучьи дети". Заслуженно или нет, не будем спорить. Странно, но всё время нравиться – стержень этой профессии. Посмотрите как дети играют в песочнице. Один ребёнок строит лабиринты, многоуровневые дворцы – это художник декоратор. Другой учит как надо строить– это будущий режиссер. Третий сидит рядом с бабушкой и через очки с огромными диоптриями, осуждает всех –это будущий критик. А четвертый, самый подвижный и вертлявый всех передразнивает, конечно же это актёр! Комедия дель арте. О, это очень красивый театр, именно ему в большей степени обязан своим появлением театр современный.
"Комедия дель а́рте (итал. commedia dell’arte), или комедия масок — вид итальянского народного (площадного и уличного) театра, спектакли которого создавались методом импровизации, на основе сценария, содержащего краткую сюжетную схему представления, с участием актёров, одетых в маски. В разных источниках также упоминается как la commedia a soggetto (сценарный театр), la commedia all’improvviso (театр импровизации) или la commedia degli zanni (комедия дзанни)."
Черквоцци Микеланджело
Картина Ватто.
Основной принцип сюжетного повествования – комедия положений. "Коме́дия положе́ний — вид театрального и киноискусства, классический вид комедии, основанный на том, что герои фильма (спектакля) попадают в курьёзные, смешные ситуации. Сюжет комедии положений, в отличие от комедии нравов, строится на случайных и непредвиденных стечениях обстоятельств." Интересно, что публика была настолько неискушённой и доверчивой, что достаточно было одного намёка, ввиде примитивного задника на место действия. "Героями этих представлений были:
Панталоне (Маньифико, Кассандро, Уберто) — венецианский купец и скупой старик.
Дотторе (Дотторе Баландзоне, Дотторе Грациано) — псевдоучёный доктор права и старик.
Бригелла (Скапино, Буффетто) — первый дзанни и умный слуга.
Арлекин (Меццетино, Труффальдино, Табарино) — второй дзанни и глупый слуга.
Тарталья — судья-заика.
Скарамучча — хвастливый вояка и трус.
Капитан — хвастливый вояка, трус и северный аналог маски Скарамуччи.
Лелио (также Орацио, Люцио, Флавио и т. п.) — юный влюблённый.
Изабелла[en] (также Лучинда, Витториа и т. п.) — юная влюблённая. Персонаж был назван в честь актрисы Изабеллы Андреини (1562—1604). Нередко героиню называли именем той актрисы, которая играла эту роль.
Коломбина, Фантеска, Фьяметта, Смеральдина и т. п. — служанка." Это была целая эпоха, по сути ставшая предтечей современного театра. Продолжу. | |
Палаццо Медичи. М. ди Бартоломео. XV в. Флоренция
Палаццо Строцци. Б. да Майано. Конец XV в. Флоленция
Фасад итальянских палаццо
Приёмная зала. Колледжо дель Камбью. Перуджа
Студиоло Ф. да Монтефельтро. Палаццо Дукале. Урбино
Кессонированный потолок. Братья Дель Тассо. Палаццо Веккье. Флоренция
Интерьер капеллы Пацци. Брунеллески. XV в.
Коридор в Палаццо Спада. Рим
Входная лестница библиотеки Сан-Лоренцо. Микеланджело. XVI в.
Салон виллы Медичи в Поджо-а-Кайяно. Кессониро-ванный свод из стукко
Резной буфет из дуба, Бельгия
Резной стол из ореха, Италия
Резной стол из ореха для столовой, Италия
Резной дубовый сундук, Франция
Большой сундук (кассоне) из кедра, Италия
Резной кресло-трон из ореха
Резная пара стульев итальянского Ренессанса
Замок Шамбор. 1519–1559 гг. Шамбор, Франция – Château de Chambord (фр.)
Входные ворота, Шато (дворец-замок) в Ане. 1547–1552 гг. Франция – Château d'Anet
Дворцовый фасад с башней, королевский замок Блуа. 1515–1524 гг. Блуа, Франция – Château de Blois
Галерея Франциска I в Фонтенбло. Роспись и лепнина Россо и Приматиччо. 1533–1540 гг. Франция – Galerie François-Ier (Château de Fontainebleau)
Галерея Франциска I в Фонтенбло. Роспись и лепнина Россо и Приматиччо
Внутренний двор Шато Анси-ле-Фран. 1541–1550 гг. Франция – Château d'Ancy-le-Franc
Саламандра в огне – эмблема Франциска I
Архитектурный декор, Франциск I
Эмблема Франциска I на камине
Эмблема Франциска I
Саламандра в огне – эмблема Франциска I
Архитектурный декор, Франциск I
Саламандра в огне – эмблема Франциска I
